67. תהליכי צילום צבעוניים היסטוריים: Autochrome

67. תהליכי צילום צבעוניים היסטוריים: Autochrome

בפוסט הקודם, מס׳ 66, סקרתי בקצרה את ההתפתחות הטכנולוגית של תהליכי הצילום הצבעוניים עד לסוף המאה ה-19. ענין אחד שכחתי להזכיר והוא התחליף שהיה מקובל גם בצילומי סטילס וגם בקולנוע: צביעה ידנית של דימויים מונוכרומטיים. אמנם לא יהיה זה נכון לראות בשיטה זו התפתחות טכנולוגית אולם עצם קיומה והשימוש בה מדגים את השאיפה ליצירת דימויים צבעוניים אליה התייחסתי בפוסט הקודם.

Autochrome

והנה, בשנת 1903 רושמים האחים Lumiere בצרפת פטנט על תהליך צילומי בשם  Autochrome שאיפשר, לראשונה, צילום בצבע ישירות במצלמה על לוח הצילום, פיתוחו בתהליך יחודי וקבלת שקופית צבעונית בה היה ניתן לצפות באמצעות  מכשיר צפייה (Viewer) יעודי. ומכאן שמו של התהליך, בתרגום חופשי: "צבע עצמוני״.
בשנת 1907 הוחל בהפצתו המסחרית של ה- Autochrome אשר יוצר עד 1935 והיה בשימוש בכל העולם עד שנת 1952. החל מאמצע שנות ה-30 של המאה העשרים, עם פיתוח תהליכי הצילום הסבטרקטיביים המודרניים ובראשם ה-Kodachrome התחילה קרנו של ה-Autochrome לרדת עד שהוחלף לחלוטין, כמו כל טכנולוגיה שעבר זמנה, בתהליכים איכותיים הרבה יותר, פשוטים יותר וזולים יותר.
כל מי שטרם קרא את שלושת הפוסטים בנושא חברה וטכנולוגיה שפרסמתי מוזמן לעשות כן על מנת להבין את מחזור החיים של טכנולוגיה והקשר בין התפתחויות טכנולוגיות לתופעות חברתיות, ראו פוסטים מס׳ 22, 23 ו- 25 בבלוג זה.

Autochrome היה תהליך אדיטיבי (ראו הסבר למושג בפוסט מס׳ 66): לוח זכוכית צופה מצידו האחד בתערובת של גרגירי עמילן תפוח אדמה (אכן!) שנכתשו לגודל של כ-15 מיקרון (מיקרון=אלפית המ״מ) ונצבעו בצבעים אדום-כתום, כחול-סגול וירוק. גרגירים אלו שימשו כמסננים צבעוניים ואפשרו רק לאור באורך הגל המתאים לעבור בדרכו לאמולסיה הפנכרומטית (אמולסיה צילומית הרגישה לכל טווח האור הנראה) שמעליו. אבקת פחם שחור שימשה לאטימת  המרווחים שבין גרגירי העמילן הצבעוניים לאור. לוח הזכוכית הונח במצלמה כך שצידו הלא מצופה פונה לנושא ובזמן החשיפה האור יעבור דרך הזכוכית, דרך שכבת גרגירי העמילן הצבעוניים ומשם לאמולסיה הפנכרומטית. לדוגמא, אור אדום שחוזר מן הנושא יעבור רק דרך גרגירי עמילן הצבועים באדום-כתום, יחשוף את האמולסיה שמתחת למסנן האדום ולא יעבור דרך גרגירים הצבועים בכחול-סגול ובירוק. לאורך כל תהליך הפיתוח על הגרגירים הצבעוניים וגרגירי הפחם השחורים להיות מקובעים היטב למקומם ולא לזוז.

Lavedrine_Autochrome

שרטוט סכמטי של השכבות המרכיבות לוח Autochrome. מקור: Lavédrine, Bertrand (2009): Photographs of the Past. Process and Preservation. Los Angeles: Getty Publications.

Microphoto_of_Autochrome_plateצילום מיקרוסקופי של Autochrome המראה את תערובת גרגירי העמילן הצבועים. מקור: Wikipedia

לאור ריבוי השכבות והעובדה שמסננים אדיטיביים בולעים 2/3 מן האור העובר דרכם ומעבירים רק 1/3 ממנו המהירות (רגישות) הצילומית של Autochrome היתה נמוכה וחייבה חשיפות ארוכות ושימוש בחצובה. בנוסף לכך כדי לקבל איזון צבעוני נכון היה צורך להשתמש במסנן צהוב על העדשה שהקטין את כמות האור הכחול שהגיעה לאמולסיה וכן חסם חלק ניכר מהאור האולטרה סגול (UV) איליו היתה האמולסיה רגישה.

SafariScreenSnapz002

מארז של לוחות זכוכית Autochrome מקוריים עם תאריך תפוגה אוקטובר 1918 ומדבקה של המשווק האנגלי T.K. Grant.

Picture12

צילום Autochrome מארה״ב, 1910

Picture13

פרט מן הצילום הנ״ל

Picture14

צילום מיקרוסקופי של פרט מן הצילום הנ״ל

בשנות ה-30 החל שיווק חומרי Autochrome על דפי סרט (Sheet Film) במקום לוחות הזכוכית ואף על סרטים גליליים, אולם, כפי שכבר ציינתי לעיל הופעתם של חומרי הצילום הסבטרקטיביים ובראשם  Kodachrome בשנת 1935 גרמה להפסקה הדרגתית בשימוש ב-Autochrome.

Picture2

קופסה של 4 דפי סרט בגודל 9X12 ס״מ עם תאריך תפוגה ספטמבר 1932. שם המוצר שונה ל-Filmcolor עם המעבר מלוחות זכוכית לדפי סרט גמישים. בתקופה זו נוצרו גם מספר קטן של סרטי קולנוע על סרט Autochrome.

alticolor_06_1

הגרסה האחרונה, משנת 1952 של Autochrome  נקראה Alticolor. בצילום נראית אריזת סרט צילום גמיש בפורמט 120, יחד עם הוראות השימוש ומעטפה למשלוח הסרט לפיתוח. מקור:  silversolvent.blogspot.com

לצפייה בסרטון המתאר באופן סכמטי את תהליך הייצור של  Autochrome לחצו כאן.

לצפייה בסרטון המשחזר את ייצור ה-Autochrome (בצרפתית, שווה צפייה גם ללא הבנת השפה) לחצו כאן. (מקור: CNRS Images)

בעוד שתהליך יצור ה-Autochrome  היה מסובך למדי, תהליך הפיתוח שלו לאחר החשיפה היה פשוט וארך כ- 15 דקות בלבד. כ-10 דקות נוספות נדרשו על מנת לייבש את הלוח המפותח כדי לאפשר צפייה בו. תהליך הפיתוח היה תהליך מהפך (רברסלי) שבסופו התקבל דימוי פוזיטיבי: שלבי התהליך היו כלהלן:

  1. פיתוח ראשון במפתח שחור לבן רגיל שיצר דמות נגטיבית
  2. הלבנה (Bleach) שגרמה להסרת הכסף המתכתי שנוצר במהלך הפיתוח הראשון ללא פגיעה בכסף ההלידי שלא נחשף בזמן החשיפה במצלמה (הדימוי הפוזיטיבי)
  3. העברת הלוח לחדר מואר באור יום לצורך חשיפה מלאה של כל הכסף ההלידי שלא נחשף במצלמה
  4.  פיתוח שני שבסופו התקבלה דמות פוזיטיבית
  5. קביעה
  6. שטיפה
  7. ציפוי מגן בלכה שקופה.

3795פרסום בגרמנית ללוחות Autochrome  וחומרי הפיתוח עבורם.

לוחות ה-Autochrome היו רגישים מאד לפגיעות פיסיות ולפגיעות של פטריות ושאר מזיקים, זאת למרות שכבת ההגנה של לכה שקופה בחלק האחרון של תהליך הפיתוח. דוגמאות לפגיעות בלוחות Autochrome ניתן לראות כאן.

הצפייה בלוחות Autochrome מפותחים הצריכה שימוש באמצעים מיוחדים בעלי עצמת אור גבוהה. לאורך השנים נבנו מספר רב של דגמים של מכשירי צפייה כולל סטריאוסקופים לקבלת דימוי תלת מימדי (חייב צילום של 2 לוחות בו זמנית במצלמה מיוחדת).

Picture3מכשיר צפיה ללוחות Autochrome. מקור: Musee A-Kahn

Stereoscope-manuelמכשיר צפייה סטריאוסקופי ידני ללוחות Autochrome. מקור: Musee A-Kahn

Picture4

מקרן סטריאוסקופי ללוחות  Autochrome. מקור: Musee A-Kahn

על חשיבותו הצילומית-אמנותית-תעודית של ה-Autochrome

מעבר לחשיבותו הרבה מבחינת ההיסטוריה הטכנולוגית של הצילום והעובדה שהיה למעשה תהליך הצילום הצבעוני המסחרי המוצלח הראשון שהיה בשימוש כ- 45 שנה ל-Autorhrome ולצילומים שצולמו בו חשיבות רבה מבחינה היסטורית, חזותית, אמנותית ותעודית. ההופעה היחודית של הצילומים כתוצאה מן הצבעים העזים (בעיקר גווני האדום), מוזאיקת הפילטרים הצבעוניים והגרעיניות המודגשת יצרה צילומים בעלי אוירה אפיינית ובולטת שהתחבבה מאד על קבוצה גדולה של צלמים בכל העולם. התפתחה שפה חזותית מענינת שנשענה על תכונות יחודיות אלו של ה-Autochrome והיתה שונה מצילומים מתקופות קודמות ולא רק עקב העובדה שהיו אלו צילומים בצבע.

צלמים ידועים רבים צילמו על Autochrome שבאמצעותו התוודעו לראשונה לצילום הצבעוני. חלקם התקשה מאד לפתח את היכולת החזותית השונה הדרושה לצילום צבעוני אחרי שהתרגלו, במשך שנים ארוכות של צילום מונוכרומטי להתעלם מהצבע.

Alfred Stieglitz ציין כי ״בקרוב העולם יהיה משוגע על צבע ולכך אחראים האחים Lumiere, שנתנו לעולם תהליך שיזכר בהיסטוריה כשווה ערך להמצאות המופלאות והמטלטלות שפיתחו שני הצרפתים האחרים, Daguerre ו- Niepce״. גם Edward Stiechen צילם ב-Autochrome וטען כי ״לוח הצבעים ובד הציור הינם משעממים וחסרי חיים לעומת הצילום הצבעוני״.
קיים קשר הדוק בין האסכולה הפיקטוריאליסטית בציור ובצילום לבין הצילום ב-Autochrome. בתקופה מסויימת אפילו הובע החשש, שלא התממש כמובן שה-Autochrome מסמן את סופו של הציור בצבע…

Alfred_Stieglitz_Georgia_Engelhard_In_Sailor_Coatצילום Autochrome של  Stieglitz, 1910-1915, אוסף Mark Jacobs

ה-Autochrome שימש מראשיתו ככלי תיעודי חשוב מאד וראשית המאה העשרים היא למעשה התקופה הראשונה בהיסטוריה האנושית שתועדה בצבע על כל המשתמע מכך. יש הרואים ב-Autochrome כלי בעל חשיבות גדולה עד כדי כך שלפני מספר שנים הוקם פרוייקט לייצור חמרי Autochrome על בסיס הציוד הנטוש של האחים Lumiere ששרד!

מקור מענין למידע על  צלמים אירופאים ואמריקאים שצילמו ב-Autochrome ועל התהליך בכלל תמצאו כאן.

במוזיאונים רבים קיימים אוספים של צילומי  Autochrome, להלן רשימה חלקית:

  1. משרד התרבות הצרפתי
  2. מוזיאון Albert Kahn,  זהו האוסף הגדול בעולם של צילומי Autochrome.
  3. פועלו של Kahn הונצח גם בספר מענין.
  4. מוזיאון Bassetlaw
  5. מוזיאון  Villa Bonnier
  6. פרוייקט Autochromes contemporains, צילומי Autochrome עכשוויים!
  7. צילומי Autochrome באתר  National Geographic

בשנת 1950 נערכה ב-MOMA בניו יורק תערוכה ראשונה של צילומי צבע בלבד, שאצר Stiechen. חלק ניכר מן הצילומים שהוצגו צולמו על Autochrome. (התערוכה הראשונה ב-MOMA בה הוצגו גם צילומי צבע התקיימה כבר ב-1943. הוצגו בה צילומים של Eliot Porter והאוצר היה Stieglitz).

1000_lb_chaplain1_0107

צילום Autochrome ע״י Charles Zoller של Charlie Chaplin, כנראה מ- 1917-18
מקור: Time.com

לציון מיוחד ראוי הפרוייקט  של Albert Kahn, בנקאי צרפתי ממוצא יהודי שהקים פרוייקט תעודי חברתי שפעל בלמעלה מ-50 מדינות בשנים 1909-1931. עשרות רבות של צלמי סטילס וקולנוע תיעדו עבורו את הנעשה במדינות אלו. האוסף הקיים כיום נאמד בכ- 180,000 מ׳ של סרטי שחור לבן וכ- 72,000 לוחות Autochrome המרוכזים במוזיאון מיוחד על יד פריס הנקרא על שמו.

01

הכניסה למוזיאון Albert Kahn

Picture11

דיגיטציה של לוחות Autochrome במוזיאון Albert Kahn. מקור: Musee A-Kahn

בין היתר, פעלו צלמיו של Kahn גם במזרח התיכון ובארץ ישראל שהיתה אז תחת שלטון האימפריה העותומנית (עד 1918) ולאחר מכן תחת המנדט הבריטי. בחרתי להביא כאן מספר צילומי Autochrome שצולמו במזרח התיכון מתוך האוסף של מוזיאון  Albert Kahn:

Picture5

ירושלים, 1918. מקור: Musee A-Kahn

Picture6

לבנון, 1919. מקור: Musee A-Kahn

Picture7סוריה, 1921. מקור: Musee A-Kahn

ולסיום, מספר צילומי Autochrome מאזורים אחרים, גם הם מתוך האוסף של מוזיאון  Kahn.

Picture8

מטוס קרב, אזור הסום, צרפת, 1918. מקור: Musee A-Kahn

Picture9

מונגוליה, 1913. מקור: Musee A-Kahn

Picture10

טונקין, סין. מקור: Musee A-Kahn

בפוסט הבא אדון בשני תהליכים אדיטיביים נוספים: Dufaycolor ו- Finlay, שהיו בשימוש בתקופה חופפת ל-Autochrome.

עדכון 22.11.22: ספר חדש הכולל מספר רב של צילומי Autochrome יצא לאור

עדכון 11.12.22: פוסט מס׳ 125 סוקר את הספר הנ״ל

עדכון 18.12.22: מוזיאון אלברט קאהן פתח מחדש את שעריו לאחר שיפוץ והעלה אתר חדש המנגיש לציבור אלפי צילומי Autochrome מן האוסף שלו

עדכון 27.12.22: הספר האולטימטיבי והמקיף ביותר על ה-Autochrome

עדכון 21.1.23: ספר חדש על מסע לגרינלנד ב-1912 שצולם ב-Autochrome

עדכון 7.5.24: מסתבר שיש עדיין צלם אחד שמצלם על לוחות Autochrome שהוא מכין בעצמו!

66. מבוא לתהליכי צילום צבעוניים היסטוריים

66. מבוא לתהליכי צילום צבעוניים היסטוריים

בחמשת הפוסטים הבאים בכוונתי לקחת פסק זמן מן העיסוק בטכנולוגיה הדיגיטלית, ועקב חיבתי הרבה לעיסוק בהיסטוריה הטכנולוגית של הצילום לחזור לאחור ולדון במספר תהליכי צילום צבעוני בעלי חשיבות היסטורית, טכנולוגית ואמנותית שהיו נפוצים בתחילת המאה העשרים ושניים מהם שרדו אפילו לתוך המאה ה-21. ארבעת התהליכים הם:

  1. Autochrome  שהיה בשימוש בשנים 1903-1952
  2. Dufaycolor    שהיה בשימוש בשנים 1908-1956
  3. Dye Transfer שהיה בשימוש בשנים 1935-1994
  4. Kodachrome  שהיה בשימוש בשנים 1935-2010
  5. Cibachrome    שהיה בשימוש בשנים 1940-2012

לתהליכים אלו מאפיינים דומים מצד אחד ושונים מצד שני, אולם המאפיין המשותף המרכזי הוא שכולם  ענו בהצלחה על הצורך הגובר והשאיפה לתעד את המציאות וליצור צילומים בצבע, כפי שהם נראים בעין האנושית (או לפחות באופן דומה) ולהתגבר על המגבלות הטכנולוגיות והחזותיות של הצילום המונוכרומטי. Autochrome, Dufaycolor ו-Kodachrome היו חומרי צילום לצילום ישיר במצלמה ויצרו שקופיות לצפייה והקרנה.  Dye Transfer ו- Cibachrome (שנודע בשנותיו האחרונות כ- Ilfochrome) היו חמרים שנועדו להדפסה משקופיות באמצעות מכשיר הגדלה. על Cibachrome ניתן היה להדפיס צילומים דיגיטליים גם במדפסות לייזר צבעוניות כדוגמת Durst Lambda.

פוסט זה הינו מבוא בו אדון בעקרונות הצילום הצבעוני בכלל על מנת שבהמשך נוכל להבין את המאפיינים היחודיים של כל אחד מחמשת התהליכים הנ״ל. כמו כן אזכיר בהמשך תהליכי צילום אחרים שאמנם היו חשובים מן הבחינה הטכנולוגית וההיסטורית אולם מסיבות שונות לא זכו להצלחה מסחרית לאורך שנים ארוכות כמו חמשת התהליכים הנ״ל ולכן השפעתם על השפה החזותית והזיכרון הצילומי הקולקטיבי לא היתה משמעותית.

עקרון הפרדת הצבעים

הבסיס המעשי לכל צילום צבעוני בכל טכנולוגיה שהיא, כולל הצילום הדיגיטלי, הוא עקרון הפרדת הצבעים.
אור הנתפס בעיני צופה אנושי כאור לבן נייטרלי (ללא גוון צבעוני כלשהוא) כולל למעשה כמויות שוות של אדום כחול וירוק המהווים כל אחד שליש מן הספקטרום הנראה בתחום אורכי הגל 400-700 ננומטר:

787px-EM_spectrum.svg

ניתן לראות כי בצד השמאלי של האיור התחתון ממוקמים גווני הכחול, באמצעי גווני הירוק ובצד הימני גווני האדום.

הנה סרטון קצר מתוך  TEDEd המסביר את המושג אורך גל והקשר שלו לתחושת הצבע.

כלומר, על מנת לצלם בצבע יש צורך להפריד את הספקטרום הנראה לפחות לשלושה חלקים: אדום כחול וירוק ולרשום את הבהירות של כל אחד מן השלושה בנפרד.

הראשון שהבין את העיקרון הזה היה ככל הנראה הפיסיקאי האנגלי  J.C Maxwell כבר בשנת 1861, 22 שנה בלבד לאחר המצאת הצילום שהיה בראשיתו מונוכרומטי בלבד. הסיבה ליכולתם של חמרי הצילום המוקדמים לרשום בהירות בלבד נבעה מכך שהיו רגישים רק בתחום הכחול. לכן גם מהירותם הצילומית או ״רגישותם״, הנמדדת כיום בערכי ISO היתה נמוכה מאד ובאה לידי ביטוי בחשיפות ארוכות מאד. רק מאוחר יותר פותחו אמולסיות צילומיות שהיו רגישות גם לתחום הירוק (אמולסיה אורתוכרומטית) ובהמשך גם לתחום האדום (אמולסיה פאנכרומטית).

מקסוול הדגים יצירת אור לבן ממקורות אור נפרדים  בצבעים אדום כחול וירוק:

LcBvQ

שימו לב לכך שלמעשה האיור מדגים שתי אפשרויות ליצירת צבע: האפשרות הראשונה, הנקראת סינתזה אדיטיבית (חיבורית) מתקבלת ע״י הקרנת אור אדום, עליו אור ירוק ועליו אור כחול: אז מתקבל האזור הלבן שבמרכז האיור. באזורי החפיפה בין כל שני צבעים הראשוניים (צבע ראשוני: צבע שלא ניתן ליצירה באמצעות השניים האחרים מתוך השלושה) מתקבלים הצבעים צהוב, מג׳נטה וסיאן שכל אחד מהם נוצר באמצעות חיבור של שניים מן הצבעים הראשוניים אדום כחול וירוק. צבעים אלו (צהוב, מג׳נטה וסיאן) נקראים הצבעים המשלימים מאחר והם משלימים כל צבע ראשוני ללבן. לדוגמא: סיאן, המורכב מכחול וירוק הוא הצבע המשלים לאדום, מאחר ותוספת אדום לסיאן תיתן לבן. מכאן נובעת גם הסינתזה הסבטרקטיבית (חיסורית) ובה אנו יוצרים צבע באמצעות חיבור של הצבעים המשלימים:

Parallels DesktopScreenSnapz001

בהמשך יצר מקסוול דימוי צבעוני באמצעות צילום סרט קישוט טרטר סקוטי על שלוש אמולסיות צילומיות כל פעם דרך מסנן אחר: אדום כחול וירוק. את הנגטיבים שהתקבלו הפך לפוזיטיב וכאשר הקרין אותם יחד דרך שלושת המסננים בהתאמה התקבל דימוי צבעוני. לאור הרגישות הצבעונית המוגבלת של האמולסיות שעמדו לרשותו התוצאה התקבלה בצבעים דהויים למדי:

41-maxwell-example

(מקור: https://tomscctwebblog.files.wordpress.com/2014/05/41-maxwell-example.jpg)

כמובן שהמדובר היה בהדגמה בלבד ולא בתהליך מסחרי הניתן לשימוש כללי. הערה מענינת: מקסוול לא היה ער לעובדה שלוח הצילום בשיטת הקולודיון בה השתמש עוזרו הצלם Thomas Sutton לא היה רגיש לאדום, ובכל זאת הצליח לקבל רפרודוקציה (גם אם לא באיכות צבעונית גבוהה) של הצבע האדום בנושא שצילם. התעלומה נפתרה רק בשנת 1961: כמעט 100 שנים לאחר הניסוי המפורסם של מקסוול חזר על אותו הניסוי מדען בחב׳ קודאק בשם Ralph Evans. הוא מצא שהצבע האדום בנושא בו השתמש מקסוול, כנראה יצר פלואורסנסיה עקב קרינה בתחום ה-UV שהיתה באור שנפל על הנושא בזמן הצילום. עקב כך נוצר אור בתחום אורכי גל שעבר דרך המסנן האדום ונרשם על האמולסיה הרגישה לכחול ול-UV שאפיינה את חומר הצילום בשיטת הקולודיון. וכך התקבל יצוג מסויים לצבע האדום למרות שהאמולסיה בה השתמש מקסוול כלל לא היתה רגישה לאדום!

תהליך הצילום המסחרי הראשון שאפשר צילום והדפסה בצבע מיוחס ל-
(Louis Ducos Du Hauron (1837-1920 אשר בשנת 1869 הראה צילומים שצולמו והודפסו בשיטה החיסורית. הצילום שלפניכם, View of Agen צולם בשנת 1877.

Picture2

התהליך של Du Hauron היה זמין באופן מסחרי מספר שנים אולם העלות הגבוהה והמורכבות של התהליך לא אפשרה לו להפוך להמוני. תהליך דומה פותח באותה תקופה ע״י Charles Cros וגם תפוצתו היתה מוגבלת מאד.

בשנת 1892 מציג Gabriel Lippman בצרפת תהליך חדשני לצילום צבעוני. על פיתוח התהליך זכה Lippmann בשנת 1908 בפרס נובל לפיסיקה. שיטתו התבססה על התאבכות: גל אור עומד יוצר שינויים מיקרוסקופיים באמולסיה דקה הכוללת גרגירי כסף הלידי קטנים במיוחד (מענין לציין כי את האמולסיה המיוחדת שנדרשה בתהליך הצילום הצבעוני שפיתח Lippman פיתחו עבורו האחים Lumiere במפעל חומרי הצילום שלהם). הדמות הצבעונית היתה ניתנת לצפייה בלבד, לא להדפסה, אלא אם צולמה בתהליך אחר. שיטת Lippmann  היתה מסובכת מאד ולמעשה לא יצאה מעולם מן המעבדה ולא הפכה לשימושית. עם זאת ניסוייו של  Lippmann הגבירו את ההתענינות בפיתוח תהליכי צילום צבעוני מעשיים יותר.

Parallels DesktopScreenSnapz002

כאן ניתן לצפות בסרטון קצר המסכם את המבוא לתהליכי הצילום הצבעוניים.

אנו מגיעים לסוף המאה ה-19 כאשר אף תהליך צילום צבעוני מבין אלו שפותחו בתקופה זו לא הפך למסחרי ונגיש לצלמים. רק בתחילת המאה העשרים פותחו תהליכים שהיו איכותיים יותר, פשוטים יחסית לשימוש ובמחירים הגיוניים לאותה התקופה. התהליך פורץ הדרך הראשון היה  Autochrome שהוצג ע״י האחים Lumiere בשנת 1903 ובו אדון בפוסט הבא. 

65. סיכום 2015

65. סיכום 2015

ב- 27 לינואר 2015 כתבתי את הפוסט הראשון בבלוג זה. עם סיום השנה הראשונה לקיומו של הבלוג ולאחר 64  פוסטים בנושאים שונים ברצוני להודות לכל מי שטרח לקרוא, להגיב ולשתף.

בלוג זה נכתב למטרה אחת בלבד, הפצה ושיתוף של ידע בתחומי הצילום השונים. מענין לציין כי קוראי הבלוג הגיעו מ- 43 מדינות שונות, נראה שמתענינים בצילום דוברי עברית פזורים בכל רחבי הכדור שלנו…

תרשו לי לבקש שלוש בקשות לקראת 2016:

  1. אשמח לקבל בקשות לכתוב על נושאים שמענינים אתכם במיוחד
  2. אנא גלו מעט יותר פעילות בתגובות והערות, לחיוב ולשלילה כאחד
  3. נא שתפו פוסטים חדשים עם חבריכם ברשתות החברתיות

אני עומד לרשותכם ביעוץ חופשי לגבי ציוד צילום שאתם מתענינים ברכישתו, וכן בכל נושא אחר בתחום הצילום בו אוכל להיות לכם לעזר. אין לי קשר לאף גורם מסחרי כך שכל מה שאמליץ מבוסס אך ורק על הבנתי את צורכי השואל בהתאם למה שיעלה בשיחה ביננו. היעוץ מתבצע בערוצים פרטיים בלבד (מייל, מסנג׳ר ו/או טלפון). בהזדמנות זו תודה לכל מי שפנה אלי בשנה האחרונה, אני מקווה שעצותי היו אכן מועילות… אני בכל אופן, נהניתי מאד לשוחח עם כל הפונים.

שתהיה 2016 טובה לכולנו,

גבי

_DSC0369

64. שחור לבן זה הצבעוני החדש

64. שחור לבן זה הצבעוני החדש

השם ״שחור לבן״ בעברית מטעה מאחר ובעצם לרוב אנחנו מתכוונים לאותם צילומים בהם הצבעים המקוריים מיוצגים ע״י גוונים של אפור, כאשר בקצוות סקלת הגוונים מופיעים הלבן בקצה אחד והשחור בצד השני. הביטוי Monochrome (חד גווני) באנגלית אולי מתאים יותר כי הוא מתייחס לכל דימוי חד צבעי, בכל גוון ולאו דווקא לאפור נייטרלי.

אם נבחן את ההיסטוריה הטכנולוגית של הצילום הרי שהצילום המונוכרומטי היה כאן קודם. היכולת לייצג רמות בהירות שונות של אור באמצעות תהליכים פיסיקליים, חמרים כימיים ותגובות כימיות הושגה לקראת אמצע המאה ה-19 כאשר כמעט במקביל, ותוך הישענות על עבודתם של רבים אחרים נייפס ודאגר בצרפת ופוקס טלבוט באנגליה מפתחים את תהליכי הצילום הראשונים (1839). תהליכים אלו אפשרו לראשונה לרשום אור ולהפוך אותו לדימוי קבוע, לעת עתה בגוון אחד. השאיפה לדימוי הצבעוני היתה קיימת כבר אז מאחר והדימוי המונוכרומטי איננו מייצג נאמנה את המציאות שאנו רואים.

02Photo_History

את הדימוי הצבעוני הראשון הראה, ככל הנראה מקסוול בשנת 1861, 22 שנה בלבד לאחר המצאת הצילום.

02Photo_History1

בשנת 1877 מציג דה האורון תהליך צילום צבעוני נוסף ובשנת 1892 מציג ליפמן תהליך צילום צבעוני עליו זכה בפרס נובל לשנת 1908. היו תהליכי צילום צבעוניים נוספים כמו האוטוכרום ואחרים אבל אף אחד מהם לא הפך את הצילום הצבעוני להמוני ונגיש כמו הקודאכרום שפותח ע״י קודאק והוצג בשנת 1935.

Kodachromeלאחר פיתוח הקודאכרום, שהיה תהליך פוזיטיבי (שקופיות) פותחו תהליכים נגטיביים שהנגישו והוזילו את הצילום הצבעוני עוד יותר, עד שהפך לנפוץ ביותר בעוד שהצילום המונוכרומטי נדחק לקרן זוית והפך לבעל קונוטציות ״אמנותיות״, בד״כ ללא הצדקה אמיתית לכך.

גם הצילום הדיגיטלי התחיל את דרכו כמונוכרומטי, המצלמה הדיגיטלית הראשונה שפותחה בשנת 1975  ע״י קודאק כאב טיפוס היתה מונוכרומטית  וגם הדגם המסחרי הראשון DSC 100 היה מונוכרומטי.

02Photo_History4

02Photo_History5

כלומר, הצילום המונוכרומטי תמיד התחיל את דרכו כאילוץ טכנולוגי, ורק בהמשך פותחה היכולת לצלם בצבע: גם תחום הקולנוע וגם תחום הטלוויזיה עברו תהליכים דומים.
עם השינויים הטכנולוגיים התפתחה גם השפה החזותית בהתאם לאפשרויות החדשות שהגיעו עם ההתפתחות הטכנולוגית.

במשך שנים טענתי ואני טוען כך גם כיום, שהצילום המונוכרומטי קשה ומסובך יותר מבחינה חזותית מאשר הצילום הצבעוני מהסיבה הפשוטה שאנו רואים בצבע ואילו יצירת דימויים מונוכרומטיים זרה לנו. ניהלתי אין סוף ויכוחים במסגרת אקדמית עם מרצים שטענו שיש ללמד קודם כל צילום מונוכרומטי ורק אח״כ צילום צבעוני ואילו אני טענתי ההפך. הסיבה היחידה שבזמנו לימדו קודם צילום מונוכרומטי היתה העלות והמורכבות של תהליכי הפיתוח הצבעוניים לעומת התהליכים המונוכרומטיים הפשוטים והזולים יותר.

הצילום הדיגיטלי מאפשר לנו כיום קשר יוצא דופן בין הצילום הצבעוני והצילום המונוכרומטי: רוב המצלמות הדיגיטליות (למעט מספר מצומצם של מצלמות היוצרות דימוי מונוכרומטי בלבד) יוצרות דימוי צבעוני שניתן בקלות להופכו לדימוי מונוכרומטי, וכך אנו יכולים להנות משני העולמות וגם מיתרון חשוב שלא היה בידנו בתקופת סרטי הצילום: להשתמש בדימוי הצבעוני המקורי כרפרנס לצילום המונוכרומטי שניצור ממנו.
ניתן גם להפיק דימויים מונוכרומטיים ישירות מן המצלמה אולם בסופו של דבר מדובר בכל מקרה בדימוי צבעוני שעובד במצלמה ולא בדימוי מונוכרומטי מקורי ולכן אינני ממליץ על השימוש באפשרות זו.

מהן האפשרויות העומדות כיום לרשותנו לצורך יצירת דימויים מונוכרומטיים מדימויים דיגיטליים צבעוניים מקוריים?

בהנחה שהצילום המקורי הוא קובץ RAW נוכל ליצור דימויים מונוכרומטיים ישירות מקובץ ה- RAW המקורי בתוכנות עיבוד כדוגמת Lightroom, Photoshop, CaptureOne ואחרות או בעזרת תוכנות יעודיות להמרת דימויים צבעוניים למונוכרומטיים כדוגמת Tonality אותה אסקור בהמשך. אפשר גם להמיר קבצים שאינם קבצי RAW אולם במידה ומעונינים להפיק מן הקובץ את מירב הפרטים והמידע הגלומים בו מומלץ להשתמש בקבצי RAW ולא בקבצי JPEG שכבר עברו עיבוד ודחיסה במצלמה.
אפשר גם לקחת דימוי צבעוני ולהוריד את הרוויון שלו לאפס. התוצאה תהיה עגומה למדי: דימוי מונוכרומטי אפרפר ודלוח…

גם כיום נתפסים דימויים מונוכרומטיים כ״אמנותיים״ לעומת דימויים צבעוניים שכל סמארטפון מפיק, לרוב ללא כל הצדקה: כל אותם ״אתגרי שחור לבן״ הנפוצים ברשתות החברתיות חושפים ברוב המקרים את חוסר המודעות הבוטה של הצלמים (או אולי נכון לכנותם ״מצלמים״ ולא צלמים?) למהו בכלל דימוי מונוכרומטי? אילו דימויים צבעוניים מתאימים להמרה? ומה בכלל רצית לומר מבחינה חזותית באמצעות הדימוי המונוכרומטי? אז נכון שבלחיצת כפתור יכול כל אחד להפוך דימוי צבעוני למונוכרומטי אבל האם בכך הפך הדימוי לבעל משמעות כל שהיא? התשובה, בד״כ שלילית. הסיבות לכך רבות אבל אחת מהן היא העובדה המצערת שרוב אלו שהכרותם עם הצילום היא דיגיטלית בלבד מעולם לא ראו וחוו דימוי מונוכרומטי איכותי ואין להם מושג ירוק כיצד אמור להראות דימוי כזה. כפי שציינתי קודם לכן, יצירת דימוי מונוכרומטי איכותי היא קשה ואיננה מובנת מאליה: דרושים אימון, התנסות והדרכה מתאימה על מנת להגיע לתוצאות ראויות.

הדבר הראשון שיש להבין היא העובדה שלא כל דימוי צבעוני מתאים להמרה למונוכרומטי. כל צבע שאנו רואים מורכב למעשה משלושה מאפיינים שונים: גוון (נקבע ע״י אורך הגל של האור), בהירות (נקבעת ע״י עצמת האור) ורוויון (נקבע ע״י ״טוהר״ הגוון).

16Color_A

כך שבדימוי צבעוני, אזורים בעלי גוון שונה ובהירות זהה יראו שונים ונוכל להבדיל בינהם. לעומת זאת בדימוי מונוכרומטי ההבדל בין אזורים שונים מושג ע״י שינויי בהירות, ואם ההבדל בינהם איננו קיים עלינו ליצור אותו בעזרת עיבוד מתאים.
בשימוש בתוכנות עיבוד כדוגמת Lightroom ו- Photoshop המידע הצבעוני המקורי נשמר גם כאשר הקובץ עובר המרה והופך למונוכרומטי וכך ניתן לשלוט בבהירות של כל גוון בנפרד וליצור את הבידול והניגוד הדרוש בין גווני האפור המייצגים את הגוונים המקוריים בדימוי הצבעוני.

לפניכם דוגמא לצילום צבעוני מקורי, קובץ RAW מעובד ב- Lightroom שעבר בהמשך המרה למונוכרומטי במספר דרכים:

DSC03420

כך נראה הדימוי לאחר המרה פשוטה למונוכרומטי ב-Lightroom, במצב Auto:

DSC03420-2

הדימוי אפרורי, שטוח ואיבד את העומק והדרמטיות שהיו בדימוי הצבעוני.

וכך נראה אותו הדימוי לאחר שעבר המרה בתוכנה יעודית ליצירת דימויים מונוכרומטיים Tonality:

DSC03420-Edit-Edit_edit

התקבל דימוי בעל עומק ודרמטיות העולה על זו של הדימוי המקורי.

מה עלינו לחפש בנושא המצולם או בדימוי המקורי הצבעוני אם בכוונתנו ליצור ממנו דימוי מונוכרומטי?

  1. טקסטורה: טקסטורות נוצרות ע״י מעברים תכופים בין בהירויות וריבוי פרטים קטנים, ולכן מתאימות מאד להמרה למונוכרומטי.
  2. קווים: קווים שוברים וחותכים את הדימוי ויוצרים הפרדה בין חלקיו. כמו כן הם משמשים להולכת עין הצופה לכיוון אליו אנו מעונינים להוליך אותה. קווים בניגוד גבוה יכולים לשמש כנושא בפני עצמם בדימוי מונוכרומטי.
  3. ניגוד: בדימוי צבעוני הבדלי ניגוד חזקים עשויים להיות מטרידים ומבלבלים, בעוד שבדימוי מונוכרומטי הניגוד הוא עצם הענין ויוצר את ההבדל הדרוש להבחנה בין אזורים ופרטים שונים.
  4. צורות: צורות מענינות, עקומות, קצוות ושאר פרטים הופכים לאבסטרקטיים בדימוי המונוכרומטי.
  5. צללים: צללים עמוקים וכהים, קווי מתאר  לאורך צורות יוסיפו רבות לדימוי המונוכרומטי.
  6. צורות החוזרות על עצמן (Patterns) עשויות להתקבל באופן מפתיע בדימוי המונוכרומטי.
  7. צלליות: קוי מתאר של דמויות ותאורה אחורית תמיד יוצרים אוירה מיוחדת בדימוי צילומי: בדימוי המונוכרומטי האפקט יועצם ועשוי להפוך לסוריאליסטי.

דוגמא לצילום טקסטורה:
זהו המקור הצבעוני, גם הוא למעשה מונוכרומטי:

9SC_5478-2
צילום:  נתי כהן, איריס כהניאן, נמרוד לוי, אלינה קוגן

וזוהי גרסה מונוכרומטית שעובדה ב- Lightroom:

9SC_5478
צילום ועיבוד: נתי כהן, איריס כהניאן, נמרוד לוי, אלינה קוגן

ועוד דוגמא:

DSC_9152
צילום: עומר כחלון, דניאל בן שושן, ספיר לסקר, ג'ואנה עליה

המרה למונוכרומטי ב- Lightroom:

DSC_9152-2
צילום ועיבוד: עומר כחלון, דניאל בן שושן, ספיר לסקר, ג'ואנה עליה

שתי הדוגמאות האחרונות צולמו ועובדו ע״י סטודנטים שלי לשעבר בחוג לתקשורת צילומית במכללה האקדמית הדסה ירושלים במסגרת תרגיל בשנה א.

למי שלא מסתפק בשליטה הבסיסית ש-Lightroom מאפשרת בהמרת דימויים צבעוניים למונוכרומטיים יש אפשרות להשתמש ב-Presets: אוסף של פעולות הניתנות להפעלה בקליק אחד. מספר Presets מובנים לתוך Lightroom ובנוסף ניתן לרכוש Presets מיצרנים חיצוניים כגון PSKISS.

Tonality: זוהי תוכנה יעודית להמרת קבצים צבעוניים למונוכרומטיים והיא האופציה המועדפת עלי בשנה האחרונה. התוכנה מיועדת למחשבי Mac בלבד וניתן לשלוח אליה קבצים ישירות מתוך Lightroom באמצעות פקודת Photo: Edit In. התוכנה זולה מאד (כ-$10) וכוללת מספר עצום של תבניות מוכנות וכן אפשרות לשליטה ידנית נרחבת על כל הפרמטרים הרלבנטיים. אפשר להוריד גרסת התנסות בחינם, אני בהחלט ממליץ. עדכון 2021: למיטב הבנתי תוכנה זו אינה נמכרת יותר כישום עצמאי וחבל…

logo2x

כך נראה ממשק המשתמש של Tonality: (צילום: גבי גולן)

צילום צבעוני מקורי, קובץ RAW

אותו הקובץ לאחר עיבוד ב-Tonality

חיסרון אחד בהשוואה ל- Lightroom היא העובדה שלאחר ההמרה הקבצים אינם נשמרים כקבצי RAW אלא כקבצי Tiff או JPEG.

עדכון 10.4.21: פוסט זה פורסם בסוף שנת 2015. בגרסאות המאוחרות יותר של Lightroom ניתן להמיר קבצים לשחור לבן (BW) באמצעות שימוש בפרופילים שונים ולקבל תוצאות איכותיות מאד ללא צורך להשתמש בתוכנה נפרדת כמו Tonality. יוצרים Virtual Copy מן הקובץ המקורי ומעבדים אותו בהתאם לצורך. באופן זה ניתן ליצור גרסאות רבות של אותו הדימוי ללא צורך באחסון קבצים רבים התופסים נפח אחסון יקר. הקובץ קיים במלואו פעם אחת בלבד וכל שאר הגרסאות הן קבצי XMP בלבד התופסים נפח אחסון זניח.

צילום צבעוני מקורי, Fuji X-T4, קובץ RAW: פרופיל Adobe Color
אותו הקובץ לאחר המרה לש.ל ב-Lightroom, באמצעות פרופיל Camera Acros

יש לזכור שהפרופילים הזמינים לשימוש עם כל קובץ תלויים בסוג המצלמה. לדוגמא, הפרופיל שהוזכר לעיל Camera Acros נראה וזמין למצלמות Fuji X בלבד.

ולסיום אותו הקובץ לאחר המרה לשחור לבן ב-Tonality, במצב Basic, Auto Improve.

מדריך קצר להמרת קבצים צבעוניים לשחור לבן ב-Lightroom ניתן לקרוא כאן

ומדריך קצר להמרת קבצים צבעוניים לשחור לבן ב-Photoshop, בעברית, ניתן למצוא כאן

מידע על ספר מענין בנושא צילום שחור לבן דיגיטלי ניתן למצוא כאן

10 סיבות מדוע לצלם בשחור לבן

עדכון 13.4.23: מצלמת DSLR מונוכרומטית חדשה של פנטקס

עדכון 13.4.23: Leica מעדכנת את M11 Monochrome עם חיישן חדש

עדכון 10.7.23: סקירה ומבחן של Pentax K-3 Mark III Monochrome

עדכון 20.12.23: סקירה נוספת של Pentax K-3 Mark III Monochrome

עדכון 11.7.24: השוואה מענינת בין Leica M11 לבין Leica M11 Monochrome

עדכון 13.12.25: סקירה של 5 מצלמות מונוכרומטיות

63. המרת קבצי RAW לפורמט DNG: בעד ונגד

63. המרת קבצי RAW לפורמט DNG: בעד ונגד

כמו נושאים רבים אחרים בתחום הצילום גם שאלת ההמרה של קבצי RAW לפורמט DNG חוזרת ועולה מידי פעם מאז הצגתו של פורמט זה ע״י  Adobe בשנת 2004. לאחרונה קראתי מאמר מענין של Martin Evening שפורסם באתר Petapixel.com. המאמר הזה הביא אותי לבצע ניסוי עליו חשבתי כבר מזמן אבל מסיבות כאלו ואחרות לא ביצעתי עד היום: להמיר קטלוג שלם של Lightroom הכולל קבצי RAW מסוגים שונים לפורמט RAW אחיד, הלא הוא פורמט DNG.

אבל על מנת שלא להקדים את המאוחר, אסביר קודם לכן מהם קבצי RAW בכלל ומהו פורמט DNG.
באופן כללי, קבצי תמונה הנוצרים ע״י מצלמות דיגיטליות הם תוצר של שני השלבים העיקריים בתהליך יצירת הדימוי הדיגיטלי: דגימה (Sampling) וכימות (Quantization).
בשלב הדגימה חיישן התמונה האלקטרוני יוצר דגימה של נושא הצילום המקורי באמצעות הפוטודיודות (פיקסלים) המרכיבות אותו. כלומר, מנושא רציף הכולל אין סוף חלקים עובר הנושא לייצוג ע״י מספר נתון של פיקסלים בהתאם למספר הפיקסלים שכולל החיישן. מכאן ברור כי ככל שלחיישן יותר פיקסלים כך מחולק הנושא ליותר חלקים בדימוי. חלק זה של התהליך הוא אנאלוגי ועיקרו המרת האנרגיה של האור המגיעה מן הנושא לכל פיקסל לאנרגיה חשמלית הנאגרת בפיקסל. ככל שעצמת האור גבוהה יותר כך גם נוצרת יותר אנרגיה חשמלית בכל פיקסל.
בשלב הכימות נמדדת כמות האנרגיה החשמלית שנאגרה בכל פיקסל ותוצאות המדידה מתורגמות לשפה הבינארית (דיגיטלית, ספרתית), אותה שפת מחשב המבוססת על הסימנים 0 ו- 1. הביטוי הבינארי של כמות האנרגיה החשמלית שנאגרה בכל פיקסל במהלך החשיפה מהווה ייצוג של הבהירות והצבע בכל פיקסל.

Picture1

סה״כ הביטויים הבינאריים של הבהירות בכל פיקסל מהווים למעשה את קובץ התמונה, בשלב הזה הקובץ הוא גולמי RAW, מאחר וטרם עבר חישוב ועיבוד הדרושים לצורך הפיכתו לקובץ עבודה סופי כדוגמת JPEG או TIFF. קובץ RAW מכיל את מירב המידע שחיישן המצלמה מסוגל לספק מבחינת הטווח הדינמי והוא בד״כ לא דחוס אם כי קיימות מצלמות בהן ניתן לבחור גם בדחיסה לא מאבדת נתונים כדי להקטין את משקל הקובץ.

05DigcamsA4

05DigcamsA2

05DigcamsA1

כל מצלמה יוצרת קובץ RAW יחודי משלה שאינו זהה לקבצי  RAW של מצלמות אחרות. כיום נמצאים בשימוש למעלה מ- 500 סוגים של קבצי RAW והדבר יוצר עומס רב על יצרני תוכנה לעיבוד קבצי RAW כגון Adobe Camera RAW, Adobe Lightroom ו- CaptureOne.

05DigcamsA3

מכאן  נובע גם המצב המוכר:  מצלמה חדשה יוצאת לשוק אבל לא ניתן לפתוח קבצי RAW שלה בתוכנות הנ״ל אלא לאחר שליצרני התוכנה היה מספיק זמן ל״פצח״ את קובץ ה-RAW של הדגם החדש ולכלול אותו בעדכון הבא של התוכנה.
פתרון ביניים הוא להשתמש בתוכנה לעיבוד קבצי RAW של יצרן המצלמה שבד״כ תתמוך במצלמה החדשה מרגע יציאתה לשוק. אולם ברוב המקרים תוכנות העיבוד של יצרני המצלמות אינן ברמה של תוכנות רב תכליתיות המתאימות לכל סוגי המצלמות וכוללות גם אפשרות לקטלוג של קבצים, כדוגמת Lightroom ו- CaptureOne. ומה לגבי צלמים המשתמשים במספר סוגי מצלמות?

מה יקרה ביום ש-Adobe או יצרן תוכנה אחר יחליט להפסיק לתמוך במצלמה ישנה משיקולים כאלו ואחרים? מי שיש לו קבצי RAW של אותה מצלמה ויהיה מעונין לעבד אותם מחדש לא יוכל לעשות כן.

כדי לפתור בעיות אלו פיתחה Adobe כבר בשנת 2004 פורמט RAW אוניברסלי הנקרא DNG: Digital Negative. הרעיון היה ליצור אחידות וסדר במצב בו יש צורך להתמודד עם מאות גרסאות של קבצי RAW ולהשקיע זמן ואמצעים ב״פיצוח״ כל קובץ RAW חדש היוצא לשוק מכיוון שיצרני המצלמות אינם נוטים לספק את המידע הדרוש ליצרני תוכנות העיבוד. ברגע שמצלמה, גם חדשה, תשמור את קובץ ה-RAW בפורמט DNG האוניברסלי לא תהיה כל בעיה לפתוח אותו מיד בתוכנות העיבוד הקיימות. ע״י כך יהפוך פורמט DNG להיות פורמט ארכיוני אוניברסלי לשימור של קבצי תמונה (וגם קבצי וידאו מאחר וקיים גם פורמט דומה Cinema DNG) לעתיד לבוא.

לצערנו הכוונות של Adobe לא התממשו לאור חוסר שיתוף פעולה מצד יצרני המצלמות ובראשן Canon ו-Nikon. רק שתי יצרניות של מצלמות מקצועיות כללו את האפשרות לשמור קבצי DNG במצלמות שלהן: Leica ו- Ricoh-Pentax. כל שאר היצרנים ממשיכים לסבך אותנו עם גרסה חדשה של קובץ RAW עם כל דגם מצלמה שהם מוציאים.

בניגוד לקבצים הקניניים (Propreitary) של יצרני המצלמות פורמט DNG הוא ציבורי, פתוח לכולם (למרות שרשום עליו פטנט של Adobe) וכל המפרט שלו והעדכונים שלו נגישים וזמינים במלואם לכל המעונין, משתמש רגיל ומפתח תוכנה כאחד.

יתרונות פורמט DNG לצלמים:
1. פורמט DNG מעלה את הביטחון הארכיוני מאחר ותוכנות עיבוד תמיד יוכלו לפתוח קבצי DNG בעתיד.

2. פתרון אחיד לעיבוד קבצי RAW מאפשר תהליך עבודה יעיל יותר בזמן עבודה עם מגוון רחב של דגמי מצלמות מיצרנים שונים.

3. תעוד זמין ופתוח לציבור מאפשר ליצרני המצלמות לאמץ את הפורמט בקלות ולכלול בו עדכונים עם השינויים הטכנולוגיים בעתיד לטובת המשתמשים.

4. הקטנת נפח ארכיון הקבצים (מנסיוני האישי 10-15%)  וקיצור זמן העיבוד שלהם.

5. הגרסאות האחרונות של Photoshop ו-Lightroom מאפשרות יצירת פנורמות וקבצי HDR בפורמט DNG כאשר אפשרות העיבוד של קבצי המקור נשמרת.

6. למי שמשתמש בגרסאות ישנות של Photoshop ו-Lightroom, אינו מעונין לעדכן את הגרסאות שברשותו אבל יש לו צורך לעבד קבצי RAW שאינם נתמכים ע״י גרסת התוכנה שברשותו יש אפשרות להשתמש ב- DNG Converter החינמי של Adobe על מנת להמיר את הקבצים החדשים ל-DNG, רק אז אפשר יהיה לפתוח אותם בגרסאות התוכנה הישנות שברשותו.

7. קיימת אפשרות לבדוק את התקינות של קבצי DNG מתוך Lightroom.

8.  בקבצי DNG כל נתוני ה- Metadata הכוללים את כל המידע מן המצלמה וכן מידע לגבי עיבוד הקובץ נשמר כ-Header בתוך הקובץ. בעבודה עם קבצי RAW רגילים כל המידע הזה נשמר כקובץ XMP נפרד לצד קובץ ה-RAW. במקרים של תקלות או טעויות במידה וקובץ ה- XMP אבד יהיה קשה ולעיתים בלתי אפשרי לשחזר אותו וכל הנתונים שהיו בו, כולל כל תהליך עיבוד התמונה, אבדו לבלי שוב.

9. למעונינים בכך, ניתן לשמור את קובץ ה- RAW המקורי יחד עם קובץ ה- DNG אולם אז כמובן ידרש נפח אחסון כמעט כפול. בניסיון שערכתי בחרתי באפשרות למחוק את הקבצים המקוריים לאחר ביצוע ההמרה.

יתרונות פורמט DNG ליצרני חומרה ותוכנה:

1. השימוש בפורמט DNG ימנע חסמים באימוץ מצלמות חדשות ע״י המשתמשים מאחר וקבצי RAW בפורמט DNG ייתמכו מיידית ע״י Photoshop, Lightroom ותוכנות עיבוד אחרות.

2. פורמט DNG יאפשר חיסכון בהוצאות על מחקר ופיתוח עקב ביטול הצורך לפתח פורמט RAW חדש לכל מצלמה חדשה ויפשט את ביצוע הבדיקות של דגמים חדשים.

3. פורמט משותף ופתוח יאפשר בקרה טובה יותר על איכות ההמרות של ישומים המפותחים ע״י צד שלישי (כלומר לא ע״י יצרן המצלמה או Adobe)

4. מפרט DNG מאפשר הוספת נתוני Metadata פרטיים/קניניים לקבצי DNG על מנת ליצור בידול ליצרן.

LightroomScreenSnapz001

תפריט ההמרה  ל-DNG ב- Lightroom

Picture2

זהו הממשק הפשוט של  Adobe DNG Converter

חסרונות של קבצי DNG:

1. הזמן הדרוש לביצוע ההמרה: לצורך ביצוע המרה מפורמט RAW כל שהוא לפורמט DNG נחוץ זמן. הזמן הדרוש תלוי בסוג הקובץ, בגודלו וכמובן במאפייני המחשב. בניסיון שערכתי המרתי כ- 6000 קבצי RAW שנוצרו ע״י 15 מצלמות שונות ל-DNG מתוך Lightroom. הניסיון נערך על מחשב ישן  MacBook Pro בן 7: משך ההמרה היה כ- 24 שעות. גיליתי שקבצי RAW ממצלמות של Sony מאיטים מאד את קצב ההמרה לעומת קבצים ממצלמות של Nikon ו-Canon. עם זאת, תהליך ההמרה לא האט או ״תקע״ את המחשב ויכולתי להמשיך לעבוד עליו בחופשיות כולל ביצוע פעולות נוספות ב- Lightroom. למי שמעונין להתחיל לעבוד על הקבצים שצילם מיד מומלץ ליבא אותם ל-Lightroom, לבצע את העיבוד הנחוץ לו ולהשאיר את ביצוע ההמרה לשעות נוחות יותר. ב-Lightroom ניתן להמיר קבצים ל- DNG כבר בזמן ביצוע ה- Import.

2. מאחר וכל שינוי בקובץ DNG נרשם בתוך הקובץ, כאשר נבצע גיבוי (ובמיוחד גיבוי לענן) יהיה על תוכנת הגיבוי לרשום את כל הקובץ מחדש (במידה ונעשה בו שינוי מאז הגיבוי הקודם). זאת לעומת קבצי RAW רגילים בהם השינויים נשמרים בקובץ XMP קטן ובעת הגיבוי יהיה צורך לרשום רק קובץ קטן זה מחדש ולא את כל קובץ ה- RAW. עם זאת, מאחר ובד״כ תהליך הגיבוי מתרחש ברקע אין לגורם זה השפעה מעשית.

3. תאימות של קבצי DNG לתוכנות עיבוד שאינן של Adobe: כאן ההמלצה היא חד משמעית: אם יש צורך או צפוי צורך לעבד את קבצי ה- DNG בתוכנות עיבוד שאינן של Adobe עדיף להשאיר את הקבצים בפורמט ה- RAW המקורי. לדוגמא: CaptureOne לא יודעת להוציא מתוך קבצי DNG את כל נתוני המצלמה שיצרה את הקובץ כפי שהיא יודעת לעשות מקבצי RAW רגילים ולכן לא מומלץ ליבא אליה קבצים שעברו המרה ל-DNG אלא קבצי RAW מקוריים.

מספר מיתוסים נפוצים לגבי קבצי DNG שיש צורך להפריך:
1. המרת קבצי RAW מקוריים ל-DNG פוגעת במידע המקורי: לא נכון. למעשה, כל פתיחה של קובץ RAW ב- Lightroom או ב- Photoshop יוצרת גרסת DNG של הקובץ כאשר עוברים למצב Develop. עם זאת, במידה ובחרתם להפעיל דחיסה מאבדת נתונים כדי להקטין את משקל הקובץ (לא מומלץ) בעת ההמרה ל-DNG יתכנו שינויים בקובץ כפי שיקרה תמיד בעת שימוש בדחיסה מאבדת.

2.המרה ל-DNG משנה את הקובץ ע״י הפעלת פרופיל Adobe Standard. לא נכון. כל קובץ RAW מוצג כברירת מחדל באמצעות הפרופיל הזה, המתאר את המצלמה הספציפית בה מדובר. אם מראה הקובץ במצב זה איננו מוצא חן בעיני הצלם ניתן להחליף אותו בקלות ע״י בחירת פרופיל אחר מתפריט Camera Calibration. קובץ שכבר הופעל עליו פרופיל אחר ועבר המרה ל-DNG ישאר עם הפרופיל שנבחר עבורו. ניתן כמובן לשנות בחירה זו בכל עת ואף לייצר פרופילים נוספים לבד בקלות יחסית.

3. המרת קובץ RAW מקורי ל-DNG פוגעת ביכולת של תוכנות עיבוד שאינן של Adobe לתרגם ״נכון״ את המידע שבקובץ: לא נכון. לכל תוכנה אופן שונה בו היא מבצעת את תהליך ה-Demosaicing (עיבוד קובץ RAW לקובץ עבודה): התוצאה של עיבוד אותו הקובץ בתוכנות עיבוד שונות עשוייה, סביר להניח, להיות שונה. מה יותר טוב?  זה כבר ענין של טעם. ישנם צלמים הנשבעים ש-CaptureOne נותנת תוצאות טובות יותר מאשר תוכנות העיבוד של Adobe. אחרים טוענים ההפך. בסופו של דבר אין כאן נכון או לא נכון אלא זה ענין של העדפה אישית.

4. מאחר וניתן גם להמיר קבצי  JPEG ל- DNG (חשוב להדגיש: המרה זו אינה הופכת את קובץ ה- JPEG לקובץ RAW אלא רק אורזת אותו במעטפת של DNG) יש הטוענים כי המרה זו פוגעת בקובץ המקורי: שוב לא נכון. יש כאן יתרון כי נתוני העיבוד של קובץ ה-JPEG המקורי נשמרים יחד עם הקובץ בתוך מעטפת ה-DNG ולא כקובץ XMP על ידו.

אז מה הקו התחתון? להמיר או לא? ההחלטה הסופית כמובן בידיכם, כל אחת ואחד יעשו את החשבון שלהם ויקבלו החלטה מושכלת על סמך כל הנ״ל והמגוון הגדול של מקורות ברשת ובספרים.
אני החלטתי להמיר וכעת כל הקטלוג המרכזי שלי הוא בקבצי DNG!

מדריך מצויין ומפורט ל-DNG ניתן למצוא בספר:
Adobe Lightroom CC/6: The Missing FAQ מאת Victoria Bampton הידועה כ-Lightroom Queen.

עוד הסבר ממצה לגבי קבצי DNG ניתן למצוא כאן.

עדכון 4.7.2024: התייחסות עדכנית לשאלת ההמרה של קבצי RAW ל-DNG

62. ?To MF or not חלק ב׳

62. ?To MF or not חלק ב׳

בחלק א הסברתי מהם הפורמטים השונים שהיו קיימים בתקופת הסרט וכיצד הם משפיעים על הגדרת הפורמטים של חיישני התמונה האלקטרוניים בעידן הצילום הדיגיטלי. לטובת מי שלא קרא את חלק א, אחזור כאן על כך שהפורמט המוגדר כיום ״פורמט בינוני״ (Medium Format, MF) הוא למעשה הפורמט הגדול בעידן הדיגיטלי ואילו הפורמט הנקרא Full Frame הוא למעשה הפורמט הבינוני ומתחת לו נמצאים פורמטים רבים קטנים יותר.

אתייחס בפוסט זה להבדלים העיקריים שבין מצלמות דיגיטליות בעלות חיישני Full Frame ברמה הגבוהה ביותר מבחינת רזולוצייה וביצועים כגון:
Sony A7R II, Nikon D810, Canon 5DS. ההשוואה לא תתייחס ישירות לדגם זה או אחר אלא לקבוצה אחת מול הקבוצה השנייה, הכוללת מצלמות אינטגרליות וגבים דיגיטליים מתוצרת Hasselblad, Phase One, Pentax, Leica.

ההבדלים הבולטים ביותר בין שתי הקבוצות הן: גודל החיישן, גודל הגוף, משקל, מחיר, ביצועים, היצע העדשות וכן גודלן, משקלן ומחירן של העדשות. הבדל נוסף נובע מן העובדה שמראשיתן, רוב מצלמות הסרט בפורמט בינוני כללו אפשרות להחלפת הקסטה בה נמצא סרט הצילום באמצע הצילומים, וכך ניתן היה לצלם בעזרת גוף אחד ומספר קסטות גם נגטיב שחור לבן, גם נגטיב צבע וגם שקופיות. למעשה, בתחילת הדרך יוצרו גבים דיגיטליים שהיה ניתן להרכיבם על גופים קיימים של מצלמות סרט בפורמט בינוני. אפשרות זו קיימת עד היום אצל Hasselblad ואצל Phase One, יחד עם מצלמות אינטגרליות בהן החיישן הוא חלק בלתי ניתן להפרדה מגוף המצלמה.

212489156_o

בצילום (מתוך Photo.net) מצלמת סרט קלאסית בפורמט בינוני  6X6 מדגם Hasselblad  500CM (משמאל) ואותה המצלמה עם גב דיגיטלי. גב חדיש המתאים למצלמה זו מיוצר עד היום ע״י Hasselblad (סדרה V). לשיטה זו יתרון גדול: אפשר לשדרג את הגב ולהישאר עם אותו גוף ואותן עדשות. אפשרות זו לא קיימת במצלמות DSLR רגילות (היו בעבר מספר נסיונות כושלים לפתח גב דיגיטלי מתחלף למצלמות סרט SLR וניסיון אחד שצלח, דגם של Leica  שעלה 4500 אירו בזמנו). עם זאת, כיום יש הבנה כי מצלמה אינטגרלית בה כל הרכיבים והחלקים מתוכננים יחד עדיפה.

השוני העיקרי בין שתי הקבוצות הוא כמובן גודל החיישן. המצלמות בעלות חיישן בגודל Full Frame 24X36 מתגמדות כאשר בודקים את גודל החיישנים במצלמות הפורמט הבינוני, הנעים (בקירוב טוב) מ- 33X44מ״מ, דרך 30X45 מ״מ וכלה ב- 40X45 מ״מ.

sensor1-Pentax-645Z
מקור: cameradecision.com

הבדל נוסף נוגע למספר הפיקסלים: לדגמים האחרונים של כל יצרני המצלמות בפורמט הבינוני, למעט Leica, אותו חיישן CMOS בעל 51MP בגודל 33X44 מתוצרת סוני. עם זאת קיימים עדיין בשוק דגמים ישנים יותר בעלי חיישן CCD  עם 50, 60 או 80MP. זה  היה מספר הפיקסלים הגדול ביותר שהיה קיים במצלמה המיועדת לשימוש אזרחי מסחרי עד ש-PhaseOne הציגה את הגב הדיגיטלי בעל 100MP בסוף 2015. יצרני החיישנים בתחום הפורמט הבינוני הם Teledyne-Dalsa , On-Semi ו- Sony. פרט מענין היא העובדה כי חב׳ On-Semi רכשה לאחרונה את חברת True Sense  שהוקמה לאחר שקודאק מכרה את חטיבת חיישני התמונה שלה במסגרת פשיטת הרגל והארגון מחדש שעברה החברה בשנים האחרונות.
כך שמבחינת מספר הפיקסלים, דווקא חיישני הדור האחרון של המצלמות בפורמט הבינוני כוללים מספר פיקסלים דומה למה שאנו מוצאים במצלמות Full Frame (למעט הדגם החדש עם 100MP של PhaseOne).

MP

השוואה בין מספר הפיקסלים בדגמי מצלמות שונים. מקור: Petaxpixel.com. שימו לב שההשוואה מתייחסת למספר הפיקסלים ולא לגודל החיישן.

נקודה זו מביאה אותנו לדיון באחד הגורמים החשובים ביותר מבחינת איכות הדימוי ובעיקר בכל הנוגע לרמות הרעש ולטווח הדינמי: גודל הפיקסל. אם אותו מספר פיקסלים (או דומה) נמצא על חיישן בעל שטח הגדול כמעט פי שניים המשמעות היא שהפיקסלים גדולים יותר. ואכן, אם נבדוק את גודל הפיקסל במצלמה בעלת חיישן Full Frame 24X36 כדוגמת Canon 5DS נמצא שהוא כ- 4 מיקרון (מיקרון=אלפית המ״מ), ואילו גודל פיקסל בחיישן עם 51MP בגודל 33X44 הינו 5.3 מיקרון (פי 1.3).
להפרש זה בגודל החיישן השפעה מהותית על ביצועיו מבחינת רעש וטווח דינמי.

למעט ה- Pentax 645Z, המכמתת ב- 14 ביט, כל המצלמות האחרות בפורמט בינוני מבצעות כימות של המידע האנאלוגי לדיגיטלי תוך שימוש ב-16 ביט לכל פיקסל. כל המצלמות בעלות חיישן בגודל Full Frame 24X36 מכמתות באמצעות 14 ביטים בלבד. באופן תיאורטי, לכימות באמצעות 16 ביט לפיקסל יש יתרון מאחר והמצלמה יוצרת דימוי בעל מעברי גוונים חלקים יותר. היכן זה יבוא לידי ביטוי בפועל? בעיקר בעת צילום של נושאים כמו פורטרטים, דומם בסטודיו ורפרודוקציות של מקורות דו מימדיים. צילומי נוף וטבע פחות רגישים להבדל זה במספר הביטים המשמשים בתהליך הכימות. כימות ב- 16 ביט יוצר קבצים גדולים יותר הגורמים עומס רב יותר על מעבד המצלמה ועל מערכת אחסון הקבצים שלה. אולם, לפחות באופן תאורטי מבחינת איכות הדימוי יש יתרון לכימות ב- 16 ביט לפיקסל.

גודל החיישן משליך כמובן ישירות על גודל גוף המצלמה, על משקלו ועל גודל ומשקל העדשות. משקל הגוף של ה- Pentax 645Z הוא 1.55 ק״ג (כולל סוללה) לעומת 930 גרם משקלה של ה- Canon 5DS (כולל סוללה) או 625 גרם משקלה של ה-Sony A7R II (חיישן FF עם 42MP).
כלומר, כל מי שגודל ומשקל המצלמה הם גורמים בעלי עדיפות עבורו לא יבחר במצלמות בפורמט בינוני.

וכאן אנו מגיעים למכשול הגדול ביותר: המחיר. עלות מצלמה בפורמט בינוני מתוצרת Hasselblad או Phase One מתחיל ב-$15,000 לגוף בלבד ויכול להגיע עד $45,000. יוצא דופן הוא דגם Pentax 645Z שמחירו כ- $7000 לגוף, כפול ממחירה של מצלמת DSLR עם חיישן Full Frame  בעל אותו מספר פיקסלים. תוסיפו למחיר הגבוה את מחירן של העדשות ותקבלו את התמונה המלאה: רכישת מצלמה דיגיטלית בפורמט בינוני יקרה בהרבה מרכישת DSLR ברמה הגבוהה ביותר. פתרון אפשרי הוא שכירת מצלמה בפורמט בינוני לפרוייקטים המצדיקים זאת: שוק ההשכרות הינו, כנראה, הלקוח הגדול ביותר של יצרני המצלמות בפורמט הבינוני.

נתון חשוב נוסף הוא העובדה שלמעט הדגמים האחרונים מבוססי CMOS כל המצלמות האחרות בפורמט בינוני אינן מצלמות וידאו וביצועיהן בתחום ה- ISO הגבוה ירודים מאד. עם זאת, לדגמים מסויימים יכולת לבצע חשיפות ארוכות מאד (עד שעה) עם רמת רעש נמוכה באופן מפתיע.

במדד  DXOMark המכובד החיישן הראשון בפורמט בינוני קיבל ציון של 91 כשמעליו 9 דגמים של מצלמות בעלות חיישני Full Frame 24X36. במקרה זה מדובר בדגם של Phase One בעלות של כ- $43,000. החיישן החדיש של סוני בפורמט בינוני טרם נבדק, סביר להניח שיזכה לציון גבוה מאד.

אתרים רבים ביצעו השוואות בין מצלמות FF לבין מצלמות בפורמט בינוני. כפי שכבר ציינתי ההשוואה קלה יותר כיום לאחר הופעת מצלמות בפורמט בינוני בעלות חיישן CMOS עם 51MP מתוצרת סוני שהוא בעל ביצועים דומים לחיישני CMOS במצלמות DSLR בעלות חיישני FF. באופן כללי ניתן לסכם את ההשוואות הללו כניצחון לפורמט הבינוני, אולם בהפרש קטן, זניח ברוב המקרים ועבור רוב הצלמים. ראו את ההשוואה הבאה.

לעומת זאת, צלמים רבים המשתמשים מזה שנים במצלמות בפורמט בינוני אינם מוכנים להתפשר וטוענים כי למצלמות הדיגיטליות בפורמט בינוני יתרונות מוכחים בכל הנוגע לאיכות הדימוי. ראו לדוגמא את המאמר הזה או את הסרטון הבא, מטעם Phase One.

יתרונות נוספים של המצלמות בפורמט הבינוני הם המחפש האופטי הגדול והבהיר שקיים בכולן וכן האפשרות להרכיב גב דיגיטלי בפורמט בינוני על גופי מצלמה בעלי אפיון של מצלמה טכנית לצורך תיקוני פרספקטיבה ומיקוד אופטיים (בניגוד לתיקונים באמצעות תוכנות עיבוד למינהן), אפשרות שאינה קיימת עם מצלמות DSLR רגילות. ניתן גם לישם מערכות אלו לצילום מאקרו ביחסי הגדלה גבוהים מאד.

p3rv

גב דיגיטלי בפורמט בינוני מורכב על מצלמה טכנית.
מקור: http://www.capturescanprint.com/sinar_digital_film_cameras.html

עוד יתרון של המצלמות בפורמט בינוני הוא שליטה נרחבת יותר בחדות מבדלת: הדבר דומה ליתרון שיש למצלמות עם חיישן Full Frame על מצלמות עם חיישני APS-C: ככל שאורך המוקד של העדשות ארוך יותר עומק השדה יורד (תלוי גם במרחק מן הנושא ובצמצם).

גורם אחרון ברשימה הוא יחס האורך-רוחב של החיישן: ברוב המצלמות בפורמט בינוני היחס הוא 4:3 בעוד שבמצלמות FF 24X36 היחס הוא 3:2. ההעדפה בענין זה היא ענין של טעם, בכל מקרה כדי לקבל יחס של 4:3 מצילומים במצלמות FF 24X36 יש צורך בביצוע-Crop.

השוואה מענינת ומקיפה מאד של ה-Nikon D810 ל- Pentax 645Z (כנראה כוללת טעות במחיר הפנטקס)

עוד השוואה מענינת, גם אם איננה מספרת את כל הסיפור תוכלו למצוא כאן.

התבלבלתם? לא נורא. למי שמשוכנע באיכות של הפורמט הבינוני ואין לו הצדקה לרכוש מערכת כזו תמיד תהיה האפשרות לשכור מערכת בשעת הצורך. למי שצריך מערכת כזו באופן קבוע כדאי לשקול לרכוש את ה- Pentax 645Z שמחירה הרבה יותר הגיוני ממחירן של מצלמות אחרות בפורמט הבינוני. ולמי שאינו משוכנע, מצלמות Full Frame מן הדור האחרון, יחד עם עדשות איכותיות יספקו פתרון איכותי ביותר במחיר שפוי. בהצלחה!

עדכון 11.12.15: Hasselblad מציעה 50% הנחה על דגם H5D-50c, בעל חיישן  CMOS עם 50MP. עכשיו רק $14,500! (עדיין מדובר על מחיר כפול ממחירה של ה- Pentax 645Z בעלת אותו החיישן).

עדכון 3.1.16: PhaseOne הכריזה על דגם חדש של גב דיגיטלי  בעל חיישן CMOS עם 100MP בגודל 53.7X40.4 מ״מ מתוצרת Sony. לחיישן טווח דינמי של 15 סטופים. המחיר לגב, מצלמה מדגם XF ועדשה 80 מ״מ הוא $49,000.

עדכון 4.1.16: סקירה ראשונית של הגב החדש בעל  100MP עם קבצי JPEG להורדה.

עדכון 20.1.16: גם Fuji שוקלת (כבר הרבה זמן…) פיתוח מצלמה דיגיטלית בפורמט בינוני. ראיון עם מנהל מוצר בכיר ב-Fuji ניתן לקרוא כאן (בסוף המאמר, דף 2).

עדכון 4.2.16: ראיון מענין עם מנכ״ל Hasselblad, כולל ניתוח של שוק הפורמט הבינוני.

עדכון 7.3.16: שני ראיונות מענינים עם סמנכ״ל מחקר ופיתוח ב- PhaseOne

עדכון 29.3.16: מאמר העוסק בצלם שעבר מן הפורמט הבינוני ל-DSLR של ניקון.

עדכון 5.4.16: השוואה מענינת בין Hasselblad H5D 50C WiFi לבין PhaseOne XF IQ350

עדכון 7.4.16: Hasselblad מכריזה על שני דגמים חדשים 50C ו-100C מהסדרה החדשה H6D.

עדכון 22.6.16: Hasselblad מכריזה כל מצלמת ה- Mirrorless הראשונה בפורמט הבינוני: X1D

עדכון 1.7.16: מאמר מענין העוסק בעתידו של תחום הפורמט הבינוני הדיגיטלי

עדכון 24.7.16: סקירה מקיפה של Phase One XF 100MP

עדכון 4.8.16: סקירה של תחום הפורמט הבינוני (אם כי אינה כוללת את ה-X1D)

עדכון 19.9.16: אז לאחר הרבה שמועות גם Fuji מצטרפת ליצרני המצלמות בפורמט הבינוני

עדכון 3.10.16: סקירה של Phaseone XF עם הגב IQ3 100MP

עדכון 4.10.16: סקירה נוספת של PhaseoneXF עם הגב IQ3 100MP

עדכון 25.10.16: ראיון מעניין עם מנכ״ל Hasselblad על מוצרי החברה ושוק הפורמט הבינוני בכלל

עדכון 6.11.16: ראיון מענין עם מנכ״ל PhaseOne

עדכון 5.1.17: סקירה של מספר מצלמות בפורמט בינוני

עדכון 22.3.17: מאמר מקיף, מענין ומנומק היטב ב-DPreview.com המסביר מדוע רצוי לשקול היטב את המעבר לפורמט הבינוני

עדכון 5.4.17: מאמר מענין על בעד ונגד הפורמט הבינוני

עדכון 17.1.18: Hasselblad היציגה דגם חדש H6D-400C בכל יכולות Multishot ליצירת קבצים של 400MP

עדכון 28.8.18: למי שממש מוכרח, הנה דגם חדש של מצלמה בפורמט בינוני עם 150MP

עדכון 16.2.21: מאמר מענין על השוואה בין Full Frame לבין הפורמט הבינוני

עדכון 3.9.21: עוד סרטון השוואה מענין בין מצלמות עם חיישן קרופ, פול פריים וחיישן בפורמט בינוני

עדכון 18.10.21: הפורמט הבינוני הדיגיטלי בהשוואה לפול פריים

עדכון 21.1.23: סרטון מענין על היתרונות והחסרונות של המעבר לפורמט בינוני

עדכון 10.7.23: סקירה קצרה ומענינת על Fuji GFX 100

עדכון 24.1.24: דגם חדש להסלבלד: 907X 100C, עם חיישן 100MP

עדכון 4.10.24: מאמר נוסף על הסיבות למעבר ל-MF

עדכון 8.4.25: בעד ונגד מעבר ל- MF

עדכון 31.7.25: השוואה בין שלושה דגמים של מצלמות בפורמט בינוני לצרכי Cultural Heritage

עדכון 23.10.25: מאמר מענין הסוקר את התפתחות הפורמט הבינוני לאורך השנים

התמונה שלמעלה מתוך shootthecenterfold.com

61. ?To MF or not חלק א: פורמטים

61. ?To MF or not חלק א: פורמטים

פוסט זה עוסק באחד האספקטים היותר מוזרים של הצילום הדיגיטלי, השימוש במה שנקרא מצלמות דיגיטליות בפורמט בינוני (Medium Format). ומדוע אני משתמש בביטוי ״אחד האספקטים היותר מוזרים״? מאחר ותחום זה של הצילום הדיגיטלי תמיד היה ענף צדדי, פחות מוכר לרוב העוסקים בצילום ובד״כ גם מחוץ לתחום האפשרויות הכספיות של רוב הצלמים, חובבים ומקצועיים כאחד.

לפני שנבדוק את המאפיינים, היתרונות והחסרונות של תחום הפורמט הבינוני כדאי שנבין מהיכן מגיע השם ״פורמט בינוני״. ובכן, כמו הרבה כינויים המקובלים בתחום הצילום כיום גם כינוי זה מקורו בתקופת הפילם, בה היו מקובלים שלושה פורמטים עיקריים של סרטי צילום: הפורמט הקטן, הבינוני והגדול.

הפורמט הגדול הוא הראשון שפותח מבחינה היסטורית (1939, המצאת הצילום) והיה בלעדי, בגדלים שונים, עד לפיתוח הפורמט הבינוני בתחילת המאה העשרים. ככל שטכנולוגיית ייצור סרטי הצילום השתפרה ואיכות הסרטים עלתה ניתן היה להדפיס תמונות בגודל גדול  גם ממסגרות קטנות יותר וכך להקטין את גודל ומשקל המצלמות והעדשות.

הפורמט הקטן:

הפורמט הקטן הוא האחרון שפותח מבחינה היסטורית: כפורמט קטן נחשב אותו פורמט שנקרא כיום Full Frame, שנקרא בתקופת הפילם פורמט 135 או 35 מ״מ, על שם רוחב הסרט שהיה 35 מ״מ.

135film

מקור: Wikipedia

השם פורמט 135 ניתן ע״י קודאק לסרטים שיועדו לצילום סטילס, להבדיל מאותו הפורמט שהיה מקובל גם בתחום הקולנוע. גודל המסגרת נטו היה 24X36 מ״מ. בתקופות מסויימות היה מקובל גם פורמט קטן יותר שנקרא Half Frame עם מסגרות בגודל 24X18 מ״מ.

135_film_perforationsמקור: Wikipedia

הסרט עצמו היה נתון בתוך קסטה אטומה לאור שהיתה עשוייה ממתכת או מפלסטיק ואיפשרה צילום 12, 24 או 36 צילומים בהתאם לאורך הסרט שהוכנס לתוכה (היו גם מצלמות חד פעמיות שכללו סרט באורך של 15 מסגרות וקסטות מיוחדות למצלמות מקצועיות שאפשרו כ-200 חשיפות).
פורמט זה נעשה פופולרי בתחילת שנות ה- 20 של המאה העשרים, כאשר Oskar Barnack פיתח את מצלמת ה-Leica הראשונה. Barnack נחשב כאבי הצילום ב- 35 מ״מ מאחר ובפעם הראשונה היה אפשר לצלם באיכות טובה במצלמה קלה וניידת, להבדיל מן המצלמות המסורבלות, הכבדות והאיטיות בפורמט הבינוני והגדול שלא התאימו לצילום מהיר. למצלמה זו ואלו שבאו בעקבותיה היתה השפעה עצומה על תחום הצילום התעודי והעיתונאי וכן על ההנגשה של הצילום לחובבי צילום.

LEI0060_186_Leica_I_Sn.5193_1927_Originalzustand_Front-2_FS-15.jpg

Leica 1, 1927. מקור: Wikipedia

היו עוד פורמטים קטנים יותר מ-135, שני הנפוצים יותר היו 126 (instamatic) ו- 110 שהיה הקטן ביותר וגרוע ביותר מבחינת איכות ההדפסות שהתקבלו ממנו. היו גם פורמטים קטנים נוספים שיש טעם להזכירם: הראשון בעל השם ההזוי Disc Film, היה דף סרט עגול שהיה נתון בתוך עטיפת פלסטיק אטומה לאור. קודאק פיתחה אמולסיות חדשות, מצלמות עם עדשות פלסטיק איכותיות וציוד פיתוח והדפסה יחודי. המערכת נכשלה לחלוטין וגרמה לאלפי מעבדות צילום שנערכו לקראת הפורמט החדש בהשקעות גבוהות הפסדים אדירים.

Camera_Kodak_Disc_4000_with_disc_film.jpg

הפורמט השני, הנמצא בשימוש כיום במצלמות דיגיטליות היה
APS: Advanced Photo System שהוצג בשנת 1996 בניסיון של קודאק ליצור מערכת שתתחרה במצלמות  35 מ״מ. גם כאן המערכת נכשלה כישלון חרוץ. רוחב המסגרת היה 24 מ״מ והיו שלושה פורמטים: H,C ו- P.  שניים מהם, APS-C ו- APS-H משמשים  כיום כפורמטים של חיישני תמונה אלקטרוניים להבדיל מפורמט ה-Full Frame.

Films135_APS

הפורמט הבינוני:

הפורמט הבינוני של סרטי הצילום היה השני שפותח, מבחינה היסטורית, והוא מבוסס על סרטי צילום ברוחב של 120 מ״מ. ומכאן השם המקובל לפורמט זה: 120. פורמט זה פותח ע״י קודאק בשנת 1901 עבור מצלמת ה- Brownie מס׳ 2 ויועד במקור לחובבים. עם פיתוחו של פורמט 135 בתחילת שנות העשרים הפך פורמט 120 לפורמט ששימש בעיקר צלמים מקצועיים.

120spools

גלילים מקוריים של סרטי 120 ו- 620 וסרט 120 מודרני. מקור: Wikipedia

סרטי 120 היו כרוכים בנייר שחור לכל אורכם כדי להגן עליהם מן האור מאחר ובניגוד לסרטי 135 לא היו נתונים בקסטה קשיחה אטומה לאור. בניגוד לסרטי 135, אותם תמיד היה צורך לגלגל חזרה לקסטה לאחר סיום צילום המסגרת האחרונה, סרטי 120 הוצאו מן המצלמה  לאחר גלגול קצר קדימה,  כל שהיה צריך לעשות הוא להדביק (בעזרת מעט רוק…) את הלשונית שבקצה הנייר העוטף כדי שכריכת הנייר המגן לא תפתח. פורמט 120 כלל למעשה מספר פורמטים בהתאם לגודל המסגרת: רוחב הסרט היה כ- 6 ס״מ, מה שהשתנה היה אורך המסגרת. הגדלים הנפוצים היו: 6X4.5 (איפשר צילום 15 מסגרות), 6X6 (איפשר צילום 12 מסגרות), 6X7 (איפשר צילום 10 מסגרות), 6X9 (איפשר צילום 8 מסגרות), 6X12 (איפשר צילום 6 מסגרות). והיו גם מצלמות שאיפשרו לצלם במסגרות פנורמיות רחבות של 6X17 ואפילו 6X24 ס״מ.

בשנת 1965 היציגה קודאק את פורמט 220, שהיה סרט דק יותר, ללא גב נייר שאפשר גלילת סרט ארוך כפליים על אותו הציר ולכן צילום מספר כפול של מסגרות בכל פורמט. כל מי שהתנסה בפיתוח ידני של סרטי 120 יודע שהיתה זו משימה די אכזרית לסלול סרטים אלו על גלגל הפיתוח בחושך, וסלילת סרטי 220 הדקים והארוכים היתה משימה ממש מאתגרת שהסתיימה לא פעם במפח נפש…

כיום, כל המצלמות הדיגיטליות בפורמט בינוני נקראות כך על שם הדמיון בגודל החיישן שלהן למסגרות ההיסטוריות של מצלמות 120 עם המסגרות הקטנות בגודל 6X4.5. אין כיום מצלמות דיגיטליות לשימוש מסחרי עם חיישנים בגודל גדול יותר.

הפורמט הגדול:

הפורמט הגדול (Large Format) שונה מן הקודמים בכך שאין למעשה סרט צילום הכולל מסגרות אחדות אלא דפי סרט (Cut Film או  Sheet Film) המוכנסים אחד אחד לתוך קסטה (Film Holder) בגודל המתאים, דף אחד בכל צד של הקסטה (אחת התקלות הנפוצות היתה טעינה של דפי הסרט הפוך: כאשר צד האמולסיה פונה לגב הקסטה… לצורך זיהוי היו חיתוכים קטנים בפינת הדף) לאחר הכנסת הקסטה לגב המצלמה (המיקוד והקומפוזיציה נעשו על זכוכית מט שהיתה מונחת בדיוק באותו המקום בו יהיה דף הסרט בזמן החשיפה. כדי לראות, הפוך… את הנושא היה צורך לכסות את גב המצלמה וראשו של הצלם בבד שחור). לפני הצילום היה הצלם מושך את הכיסוי הקדמי של הקסטה ומגלה את דף הסרט שבפנים. פתיחת סגר העדשה היתה גורמת לחשיפה שלאחריה היה על הצלם להכניס מחדש את הכיסוי על מנת להגן על דף הסרט שבקסטה מן האור שבחוץ.

Infocast-IMG_2677-Edit

viewcamera-01

מקור: http://lingeredupon.blogspot.co.il/2011_05_01_archive.html

שני הגדלים המקובלים של הפורמט הגדול בעת המודרנית הם 4X5 אינצ׳  ו- 8X10  אינצ׳. שימוש בדפי סרט בגדלים אלו מחייב מצלמות גדולות, כבדות ומסורבלות ועדשות כבדות ויקרות בהתאם. עם זאת איכות הדימוי המתקבלת מסרטי צילום בגדלים אלו נחשבת לגבוהה מאד מאחר ויחס ההגדלה הדרוש להדפסה קטן בהרבה מן הדרוש להדפסות מסרט בפורמט הבינוני והקטן. היו לאורך השנים גם מצלמות בפורמטים גדולים יותר, כולל הגדולה ביותר הידועה שנבנתה לפני מספר שנים ע״י Dennis Manarchy, בגודל של כ- 10 מ׳ עם דף סרט צילום באורך 1.80 מ.

big.png

למעשה גם כיום ניתן לחלק את הפורמטים של חיישני התמונה שבמצלמות הדיגיטליות לשלושה גדלים עיקריים: הפורמט הקטן, הבינוני והגדול, אלא שהשימוש בכינויים מתקופת הסרט קצת מבלבל את היוצרות: הפורמט הדיגיטלי הבינוני מכונה כיום Full Frame, ואילו הפורמט הדיגיטלי הגדול מכונה ״פורמט בינוני״ כאשר הכוונה היא לפורמט הבינוני מתקופת הסרט. לפורמטים הדיגיטליים הקטנים יותר מ- 24X36 אין שם מחייב אחד.

550px-Sensor_sizes_overlaid_inside_-_updated.svg_

בחלק ב של פוסט זה נדון במאפיינים, ביתרונות ובחסרונות של הפורמט הדיגיטלי הבינוני בהשוואה לפורמט ה- Full Frame הקטן יותר.

עדכון 12.2.16: מאמר העוסק ב- Crop Factors למצלמות בפורמט הבינוני תוכלו למצוא כאן

עדכון 18.6.23: מאמר המשווה בין פורמטים שונים של חיישני תמונה אלקטרוניים

עדכון 4.10.24: מאמר נוסף על הסיבות למשבר ל-MF

בתמונה הראשית ע״י Casey Murphy מצלמת פילם בפורמט 6X6 מדגם Bronica SQA

60. הדפס אנאלוגי מצילום דיגיטלי? יש!

60. הדפס אנאלוגי מצילום דיגיטלי? יש!

בהמשך לדיון הבלתי נגמר בענין צילום בסרטי צילום לעומת צילום דיגיטלי, הנה שרות מענין שמאפשר ליצור (נאמר כאן ועכשיו, זה לא זול: 250 אירו, כ- 1000 ש״ח לא כולל משלוח) הדפס פולארויד בגודל 20X24אינצ׳ (כ- 50X60 ס״מ), בטכנולוגיה כימית-אנאלוגית למהדרין מקבצים דיגיטליים. יש גם אפשרות ל-8X10 אינצ׳ (20X25 ס״מ) ב- 30 אירו.

כלומר, מיזוג מענין בין אנאלוגי לדיגיטלי (יש עוד אפשרויות למיזוג, כמו הדפסת קבצים דיגיטליים על נייר צילום כימי צבעוני או שחור לבן באמצעות מדפסות ענקיות שהולכות ונעלמות מסוג Lambda או LightJet או הדפסה מקבצים דיגיטליים על סרטי צילום באמצעות המכשירים הנכחדים הנקראים Film Recorder).

השרות מתבסס על אחת משמונת המצלמות הענקיות שיוצרו לפני שנים ע״י חברת פולארויד ז״ל, הוצבו במספר אולפנים בערים מרכזיות בעולם ועמדו לרשות צלמים שרצו להתנסות בצילום ישיר (ללא נגטיב) על הדפס אינסטנט בגודל כזה.

חברת SuperSense מציעה את השרות המענין הזה באמצעות אביזר שפותח במיוחד ע״י מפתח מצלמות לשעבר מפולארויד: הצילום הדיגיטלי מוצג על צג Retina של מכשיר iPad Mini ומוקרן באמצעות עדשה מתאימה אל דף הפולארויד הגדול. כל הדפס הוא יחודי לאור המאפיינים הבלתי קבועים של החומר ותהליך הפיתוח הבלתי יציב שלו.

Unknown-1

ניתן לשלוח את הקבצים למעבדה באמצעות הדואר האלקטרוני (רזולוציה מינימלית 2048X1536 פיקסלים) ולקבל חזרה את ההדפס המיוחד בדואר. ניתן אפילו לתאם ביקור ולצפות בצילום שלכם בזמן הדפסתו ופיתוחו!

אם מי מקוראי שורות אלו התנסה בשרות בעבר או בכוונתו להתנסות בו בעתיד אשמח לשמוע ממנו על חוויותיו.

59. Samsung יוצאת מתחום הצילום?

59. Samsung יוצאת מתחום הצילום?

לומר שסמסונג יוצאת מתחום הצילום זו הגזמה, מאחר ואין לחברה כוונה להפסיק לייצר ולמכור סמארטפונים שכל אחד מהם בפני עצמו הוא מצלמה לא רעה בכלל. אבל אם נגביל את הדיון למצלמות איכותיות עם עדשות מתחלפות שאינן משולבות בטלפון סלולארי אז כן, נראה שסמסונג החליטה ״לתלות את הנעליים״ ולצאת מתחום הצילום איליו נכנסה רק לפני שנים מעטות.
דווקא כאשר נראה היה שסוף כל סוף אולי יהיה מי שיתחרה בניקון, קנון וסוני הודיעה סמסונג כי היא מושכת את דגם הדגל שלה, NX-1 מן השווקים באירופה, אוסטרליה ואסיה ויוצאת מכל תחום הצילום בגרמניה ובבריטניה כתוצאה מביקוש נמוך, וזאת ממש לפני תקופת המכירות ההיסטרית של חג המולד וסוף השנה. סביר להניח שהודעות על יציאה מפלחי שוק נוספים יבואו בהמשך.

למעשה, מה שאנחנו עדים לו הוא המקרה הראשון, אם אינני טועה, של הצטמקות תחום הצילום הדיגיטלי לאור הירידה החדה בביקוש למצלמות, כנראה עקב הפופולריות הרבה של הסמארטפונים למינהם. וכך, התהליך החיובי בו חזינו, של חברות אלקטרוניקה שהופכות גם לחברות צילום (ראו פנסוניק, סוני וסמסונג) מתחיל לחזור ולהתקפל לאחור. תהליך זה היה חלק מן המאפיינים של מה שנקרא ״המהפכה הדיגיטלית״ וכבר גבה קרבנות לא מעטים גם בתחום הצילום האנאלוגי (סרטי צילום) וגם בתחום הצילום הדיגיטלי: קודאק, אגפא, קוניקה-מינולטה ופולארויד הם השמות הבולטים של קרבנות המהפכה הדיגיטלית. כעת נראה שאנו מתחילים לחזות בתחילתו של גל צמצומים  נוסף ואולי גם העלמות של יצרנים נוספים מן השוק. על הכוונת עומדים היצרנים הקטנים יותר כמו אולימפוס ופנסוניק כאשר לכל אחד מהם מוצרים איכותיים ויחודיים אולם היקף המכירות שלהם איננו, ככל הנראה, גדול מספיק כדי להמשיך ולהתקיים לאורך זמן.

מדוע תהליך זה צריך להטריד אותנו? כי כאשר התחרות יורדת ומספר השחקנים בשוק קטן אנחנו משלמים יותר והמוטיבציה של היצרנים ששורדים בינתיים היא לצמצם את ההוצאות על מחקר ופיתוח של דגמים חדשים ומתקדמים יותר.

דגם NX-1 של סמסונג זכה לביקורות חיוביות מאד ולציון 87 הגבוה במדד הנחשב של DPReview.com . עד להופעתו של חיישן Full Frame  מסוג BSI ב-A7R II של סוני היה חיישן ה- APS-C ב-NX-1 של סמסונג חיישן ה-BSI הגדול ביותר והוא זכה לדרוג חיובי מאד  של DXOMark שהגדיר את החיישן כמלך החדש של מצלמות היברידיות בפורמט APS-C.

מערכת המיקוד האוטומטי של ה- NX-1 זכתה אף היא לשבחים רבים וכך גם הארגונומיה וממשק המשתמש שלה. כלומר, היתה כאן בהחלט הדגמה ליכולות הטכנולוגיות של סמסונג לייצר מצלמה רצינית ואיכותית ולמכור אותה במחיר הוגן של כ- $1000 (גוף בלבד) כתחרות לדגמים מבוססים כמו ה- D7200 של ניקון, שקיבלה ציון נמוך מעט יותר של 84 במדד DPReview.com והחיישן שלה זכה לציון 87 במדד DXOMark לעומת 84 לחיישן של ה-NX-1. לאחרונה אפילו התחילו ספקולציות באשר להופעתו של דגם של סמסונג עם חיישן Full Frame.

אבל כנראה שכל זה לא עזר כדי לשנות את התדמית של סמסונג מכזה של יצרנית מוצרי אלקטרוניקה ליצרנית של מצלמות רציניות. באופן אישי, כאשר שקלתי רכישת מצלמה חדשה לפני כשנה בדקתי את הנתונים של ה- NX-1, בהחלט התרשמתי לחיוב ולמרות זאת העדפתי לבחור בדגם של סוני (עם חיישן Full Frame) שהצליחה למצב את עצמה טוב יותר מסמסונג כיצרנית מצלמות רצינית. נראה שזוהי הסיבה למכירות הנמוכות מן הצפוי של ה- NX-1: אנשים רוכשים סמארטפונים וטאבלטים של סמסונג ללא היסוס והם ממוצבים כשווי ערך ואולי אף כעולים על האייפון והאייפד של אפל אבל בתחום הצילום סמסונג איננה נתפסת כשחקן משמעותי וחבל.

עדכון 2.12.15: PetaPixel מדווחים כי כנראה ניקון רוכשת מסמסונג את הטכנולוגיה שפיתחה סמסונג לצורך יצור המצלמות מדגם NX-1. בכוונת ניקון לפתח על בסיס טכנולוגיה זו מצלמות Mirrorless מקצועיות ולהתחרות בסוני. אם המידע נכון, זו בפירוש רעידת אדמה. יש לענין השלכות מרובות בין היתר עקב העובדה שכמעט כל מצלמות ה- DSLR של ניקון מתבססות על חיישנים מתוצרת סוני.

עדכון 4.12.15: מאמר מענין המתאר את התנהלותה הכושלת של סמסונג בניסיונותיה לחדור לתחום הצילום בעשור האחרון  ומציע מספר אפשרויות לעתיד.

עדכון 9.3.16: עוד ידיעה על דגם מצלמה של Samsung שיצורה הופסק.

הצילום שלמעלה מתוך https://www.ephotozine.com

58. 8 סיבות מדוע לא להשתמש בסרטי צילום

58. 8 סיבות מדוע לא להשתמש בסרטי צילום

בפוסט זה אני עושה הפסקה בדיונים בנושאים טכנולוגיים למינהם ומתייחס לנושא העולה מפעם לפעם באתרי צילום שונים: ״היתרונות״ של סרטי צילום על הצילום הדיגיטלי. נראה שבכל פעם שלעורך אתר כזה או אחר חסר חומר מעניין לכתוב עליו הוא שולף מן הבוידם את נושא סרטי הצילום ״הישנים והטובים״. אז הנה, הצטרפתי גם אני לטרנד.

לפני שאמשיך חשוב לי להבהיר לטובת קוראי שאינם מכירים אותי אישית כי לא נולדתי עם פיקסל ביד. הכשרתי הפורמלית בצילום התחילה בחוג לצילום טכני מדעי במכללת הדסה בירושלים (זה היה שם החוג אז) בשנים 1975-1977 ולאחר מכן בביה״ס לצילום במכון הטכנולוגי של רוצ׳סטר, ניו יורק, ארה״ב בשנים 1978-1981. כמובן שבאותן שנים לא הכרנו אפילו את המונח צילום דיגיטלי, והקשר היחיד למחשבים במסגרת לימודי בארה״ב היה קורס תכנות בסיסי בשפת BASIC על מחשב מרכזי (Mainframe) ואחסון התכניות הפרימיטיביות שכתבנו על ערימה של כרטיסי קרטון מנוקבים…

כך שבמסגרת לימודי ולאחר מכן במהלך עבודתי בחו״ל ובארץ הכרתי היטב כמעט את כל סרטי הצילום, ניירות הצילום, שיטות הפיתוח הכימי (ידניות וממוכנות כאחד) שעליהם התבסס הצילום בתקופה הרחוקה ההיא. הכרותי עם סרטי הצילום למינהם משלבת ידע טכני מקיף והכרות עמוקה עם המאפיינים החזותיים שלהם. מאחורי גם אלפי שעות עבודת מעבדה ידנית בפיתוח סרטים מכל הסוגים, צבע ושחור לבן והדפסה על מגוון רחב של ניירות צילום מכל הסוגים ובכל הגדלים. הוסיפו לכך ניסיון רחב בבקרת איכות של תהליכי פיתוח אוטומטיים של סרטים וניירות צילום וכן ניסיון באיפיון של ייצור כימיקלים לצילום – אני מקווה שהבנתם שלי אי אפשר למכור לוקשים לגבי ״האיכויות המופלאות״ של סרטי הצילום.

מן הבחינה הטכנית ״הקרב״ בין סרטי הצילום לצילום הדיגיטלי הוכרע כבר מזמן: הצילום הדיגיטלי מספק כושר הפרדה גבוה יותר, רמת רעש נמוכה יותר, יכולת צילום מעולה בתנאי אור נמוכים, טווח צבע רחב יותר ותחום דינמי רחב יותר. גם מן הבחינה השיווקית הקרב כבר הוכרע מזמן: רוב יצרני סרטי הצילום פשטו את הרגל ונעלמו מן השוק, הנותרים צמצמו מאד את הייצור ואת מגוון המוצרים והעלו את המחירים בהתאם. מצלמות לסרטי צילום כמעט ואינן מיוצרות כיום. השילוב המוזר ביותר בעיני הוא צילום בסרטי צילום ולאחר מכן סריקה שלהם לקובץ דיגיטלי.

אז מדוע בכל זאת יש מספר קטן של צלמים שמתעקשים עדיין לצלם בסרטי צילום? כל אחד וסיבותיו עימו ואני מוכן לקבל כל סיבה שהיא רק לא את ההסברים ה״מלומדים״, הניתנים בד״כ מתוך עמדה של עליונות (אני יודע מה טוב בשבילך!) ואת הסיפורים על ״חמריות״, ״תלת מימדיות״ והאגדות על  מה שעושה ריח הכימיקלים במעבדה… וכן, אני גם לא סובל סטודנטים לצילום, שנולדו הרבה אחרי המהפכה הדיגיטלית, המסתובבים כטווסים עם מצלמת פילם ישנה על הכתף ובטוחים שהם יודעים הכל יותר טוב מכל אחד אחר.

אז מה בכל זאת הוציא אותי משלוותי והביא אותי לכתוב את הפוסט הזה? באתר PetaPixel התפרסמה השבוע כתבה תחת הכותרת:
״שמונה סיבות מדוע צלמים דיגיטליים צריכים לנסות סרטי צילום״
קראתי בעיון את הכתבה והתרגזתי, כי כל אחד משמונת הסעיפים שבה הוא, בלשון עדינה, שטויות במיץ עגבניות, כאשר המוטיב החוזר הוא ששימוש בסרטי צילום, או לפחות ההתנסות בצילום בהם יעשו אותך צלם טוב יותר.

לפני שניגש להפרכת שמונת הסעיפים שבמאמר המקורי כדאי שננסה להגדיר מהו בכלל ״צלם טוב״? לעניות דעתי, ועל קצה המזלג, צלם טוב הוא אחד שיודע לראות ולקרוא אור, יודע לראות, ליצור ולעצב קומפוזיציה, מתייחס לצבע, צורה, מרקם, תנועה זמן ומסגרת ומצליח לשלב את כל הנ״ל לידי צילום אחד הגורם לתחושה וחוויה חזותית לצופה בו. כמובן שכדי לבצע את כל הנ״ל זקוק הצלם גם לידע טכני ולהכרת הכלים בהם הוא משתמש. עם זאת (ותאמינו לי שבתור מרצה וותיק לטכנולוגיה של צילום לא קל לי לומר זאת) מאחר והכלים העומדים לרשותנו כיום כל כך משוכללים במקרים רבים אפשר לוותר על הידע הטכני ולהתרכז ביצירה. ראו לדוגמא סרטי קולנוע איכותיים שצולמו בסמארטפון ואפילו חתונות יוקרתיות מצולמות היום בסמארטפון ע״י צלמים מקצועיים מן השורה הראשונה. למעשה הכלי בו מצלמים הינו חסר חשיבות, חשובה היכולת החזותית-צילומית, המשלבת כישרון מולד עם ידע נרכש וניסיון מצטבר ליצירת חוויה חזותית משמעותית אצל הצופה. ולכן לי לא איכפת בכלל האם צילום שמצא חן בעיני צולם על סרט צילום או מצלמה דיגיטלית, לא איכפת לי האם הצילום צולם בניקון, קנון, אייפון, גלאקסי או מצלמת נקב העשויה מקופסת קרטון. וכל אותם ״צלמים״ הטורחים לציין לצד כל צילום שלהם באיזו מצלמה, עדשה, צמצם, מהירות סגר ו-ISO הצילום צולם סתם מטריחים את הצופה עם פרטים שאין להם כל חשיבות לאחר שהצילום כבר קיים. גם ההתנצלות שרואים לעיתים קרובות בפייסבוק: ״צולם בטלפון נייד״ כזה או אחר  מיותרת: אם אתה או את עומדים מאחורי הצילום שבחרתם להציג אל תתנצלו ותספרו לנו הצופים שהוא צולם בסמארטפון שלכם ולכן אנו עשויים להתייחס איליו מראש בחשדנות בגלל שאינו כולל זיליון פיקסלים. או שהצילום ״עובד״ או שלא, וכל השאר הרבה פחות חשוב.

הטעון הראשון איליו מתייחס מחבר המאמר Stephen Dowling הוא שצילום בסרטי צילום גורם להאטת קצב הצילום ומסביר מדוע האטה זו חיובית. אני מסכים איתו בכל לב שהאטה, התבוננות ומחשבה לפני הצילום הם חיוניים אולם מדוע אנו זקוקים לסרט צילום כדי להאט? הרי זה בסה״כ ענין של משמעת עצמית, לימוד ואימון אישי: נכון שיש בידי מצלמה שמסוגלת לצלם 4-5 מסגרות בשנייה אבל כפי שאני בוחר את מהירות הסגר והצמצם בהם אני מעדיף לצלם כך אבחר את קצב הצילום המתאים לי. וכאשר הנושא הוא כזה המאפשר לי התבוננות וחשיבה אעשה זאת. אין צורך להשתמש במצלמת פילם לצורך זה כפי שאין צורך בלימוד רכיבה על סוס או על אופניים לפני שניגשים ללימוד נהיגה ברכב מנועי. המחבר טוען שצילום בפילם עשוי להיות ניסיון ״מדיטטיבי יותר״ כי אפשר לצלם סרט צילום שלם לאורך יום אחד או סוף שבוע אחד. הצחקת אותי! האם אי אפשר לו לצלם להחליט, כתרגיל, שהוא מצלם במשך היום רק 36 מסגרות ולא יותר? ואם הוא עד כדי כך חושש שלא יעמוד בפיתוי, שיכניס למצלמה הדיגיטלית שלו כרטיס זיכרון בעל נפח מצומצם שלא יאפשר לו לצלם יותר…

הטעון השני טוען שיש משמעת במספר המוגבל של המסגרות שיש בסרטי הצילום ומתייחס בעיקר לעלות: סרטי צילום והפיתוח שלהם יקרים ולכן נצלם פחות ונחשוב יותר על כל צילום. נכון! אבל, מעבר לכך שזו היא למעשה חזרה על הסעיף הראשון, אני שואל שוב  מה הבעיה לצלם מעט, באופן מושכל ומודע גם במצלמה דיגיטלית? תן לנו קצת קרדיט כמי שמסוגלים להחליט מראש שלא נצלם 500 צילומים היום אלא נגביל את עצמנו, נאמר לחמישים בלבד אם נחשוב שזה טוב לנו ועושה אותנו לצלמים טובים יותר.

הטעון השלישי כבר ממש מגוחך: צילום בסרטי צילום הוא ״התנסות מישושית״ (Tactile Experience). הכותב טוען שהעיסוק בטעינת סרט הצילום במצלמה: פתיחת גב המצלמה, טעינת הקסטה, חיבור לשונית הסרט לגליל המושך ואפילו גלגולו חזרה לאחר סיום הסרט הם עיסוקים המרכיבים את ״הטקסיות״ הכרוכה בצילום בסרט. מה דעתכם על הטקסיות שהיתה כרוכה בהנעת רכב מנועי באמצעות ״אימנואלה״ לפני שהומצא המתנע החשמלי (סטרטר)? או על הטקסיות הכרוכה בהזנת פחם לתנור של אנייה המונעת בקיטור? מה, האם הכנסת כרטיס הזיכרון לחריץ המיועד לו בגוף המצלמה הדיגיטלית איננה מספקת מספיק ריגוש? לא? אז אולי החלפת הסוללה שהתרוקנה באמצע הצילום?

הטעון הרביעי יוצא נגד ההסחה שיוצרים כל ישומי התקשורת הכלולים בסמארטפון, בעוד שמצלמת סרט לא תתריע על הודעת מייל או וואטס אפ באמצע הצילום… אכן טעון חזק! האם לא ניתן לסגור ישום שמפריע לנו? האם מצלמות דיגיטליות שאינן סמארטפון יתריעו על קבלת הודעת מייל? נו באמת…

הטעון החמישי יוצא גם הוא נגד נוכחות המסך או הצג במצלמה דיגיטלית וטוען שהפרדה בין תהליך הצילום לתהליך העריכה הוא הכרחי. הצצה בצג במצלמה אינה תורמת לאיכות הצילום… האמנם? קודם כל, מי שלא רוצה לראות את הצילום יכול לכבות את צג המצלמה, בוודאי במצלמות בעלות מחפש (View Finder) אופטי. גם במצלמות חסרות מראה ניתן בד״כ לבטל את ה-Preview לאחר הצילום. ובסמארטפון, מפריע לך? אל תסתכל… לדעתי עצם נוכחות המסך, המספק היזון חוזר (Feed Back) מיידי היא כלי רב ערך המאפשר לצלם לתקן את טעויותיו מיד ולא בעוד שבוע, לאחר שסרט הצילום יחזור מן הפיתוח והנושא שצילמתי כבר מזמן נמצא במקום אחר… ובאשר למשך הזמן העובר בין רגעי ההתעלות של הצילום לבין שלב העריכה, אם ארצה תמיד אוכל להחליט שאביט בצילומים שצילמתי היום במצלמה הדיגיטלית רק בעוד שבוע או חודש, כדי שההתלהבות שחשתי בעת הצילום לא תשפיע, רחמנא ליצלן, על שיקולי הבחירה והעריכה שלי.

הטעון החמישי נקרא ״אתה לומד לקרוא את האור״. כאן מספר לנו הכותב הנכבד שמערכות מדידת החשיפה המתוחכמות המשולבות במצלמות דיגיטליות מונעות מן הצלם לפתח את יכולתו לקרוא אור. אז ככה: למי שלא יודע לקרוא אור לא יעזור כלום, לא משנה באיזו מצלמה ישתמש. ובכל מקרה, במצלמות דיגיטליות המיועדות לצלמים ״רציניים״ יש תמיד מצב ידני המאפשר שליטה של הצלם בכל הפרמטרים החשובים: צמצם, מהירות סגר, ISO וכו׳. אני משתמש במצלמה דיגיטלית בעלת מערכת מדידת אור אוטומטית אבל מצלם כמעט תמיד במצב M הידני… מעבר לכך, הכותב הנכבד שכח שגם מצלמות סרט מקצועיות כללו מערכת מדידת חשיפה אוטומטית, ואפילו ניתן להרכיב מערכת כזאת על מצלמות 4X5, למי שיודע במה המדובר. כאשר הוצגה מצלמת הסרט הראשונה בעלת מערכת מיקוד אוטומטי בשנות ה-80 של המאה הקודמת צעקו צלמים רבים שהנה הגיע סופו של הצילום…
השטות האחרונה שטעון זה מעלה נוגעת להיות סרט הצילום ״מדיום סלחני״ בכל הנוגע לחשיפה. אכן שטות מוחלטת! למצלמות הדיגיטליות טווח דינמי רחב בהרבה מזה של סרטי הצילום למינהם והשימוש בקבצי RAW ותוכנות עיבוד כמו Lightroom מאפשרים להוציא פרטים בצללים ובבהירויות שבסרטי הצילום ניתן רק לחלום עליהם…

בטעון השביעי טוען המחבר כי התקלות והשגיאות האפייניות לשימוש בסרטי הצילום הינן חד פעמיות ובלתי ניתנות לחזרה ויש יופי בכך. כל סרט צילום הוא שונה, כל סדרת יצור שונה מזו שקדמה לה ולכן צלמים היו נוהגים לרכוש כמויות גדולות של הסרט החביב עליהם מאותה סדרת יצור (ולאחסן את הסרטים במקפיא) כדי לעבוד בתנאים קבועים וצפויים לאורך זמן. למי שכבר שכח, כל סרט צילום מקצועי הגיע עם נתונים לגבי מידת השונות שלו מסדרת ״מאסטר״ כל שהיא, ועל הצלם היה להתחיל בסדרת ניסיונות מייגעת על מנת להביא את התוצאות שהוא מקבל מהסרטים מן הסדרה החדשה לאלו שקיבל מן הקודמת. אכן עיסוק מלבב, שהיה כרוך בבזבוז זמן וחמרים… חדירת אור לסרט הצילום בטעות גם היא אכן ארוע משמח מאד לצלם המקצועי. חובבי התקלות והאיכות הטכנית הירודה חגגו על מצלמות כמו Lomo שנועדו במיוחד למטרה זו. למי שבאמת נהנה מכך, אפשר כיום לרכוש פילטרים דיגיטליים שיצרו לכם איזה אפקט שתרצו, גם באופן שלא יחזור על עצמו יותר מפעם במאה שנה… מה, לא שמעת על אינסטאגרם?

בטעון השמיני והאחרון טוען המחבר שההמתנה טובה עבורכם. קצת חזרה על מה שנאמר כבר קודם לכן באחד הטעונים הקודמים אבל מה זה משנה?
ובכן, המחבר טוען שכדאי להמתין בסבלנות לפני שנצפה בצילומים שצילמנו, שעידן הסיפוק המיידי והעלאת הצילומים לפייס או לאינסטוש שניות לאחר שצולמו אינם חיוביים. יתכן שכך. אבל שוב, מי מונע ממך להניח את כרטיס הזיכרון ועליו הצילומים מאתמול בכספת ולשוב ולפתוח אותה בעוד שנה או אולי בעוד 10 שנים כדי שתוכל לצפות בהם בפרספקטיבת הזמן המתאימה לך? (בהנחה כמובן שתמצא הדרך לקרוא את הכרטיס גם בעוד 10 שנים).

לסיכום, אני מקווה שכל מי שעדיין מצלם בסרטי צילום עושה זאת מן הסיבות הנכונות עבורו, אבל לעזאזל, אל תעסקו במיסיונריות חסרת תועלת ומגוחכת ותנסו לשכנע אותנו שאנחנו טועים ואתם צודקים. ואולי בכל זאת היה טוב יותר בתקופת האבן?

עדכון 2.12.15: המאמר המקורי (באנגלית) פורסם גם באתר imaging-resource.com ובעקבותיו פורסמו מספר תגובות.

עדכון 4.12.15: לא משנה במה תבחרו, סרטי צילום או צילום דיגיטלי, כדאי שתבינו כיצד נוצרת הדמות הצילומית בשתי הטכנולוגיות: סרטון מצוין של John Hess. לך תאמין שלימדתי את החומר הזה, באותה הרמה, במסגרת שיעורי הטכנולוגיה שלי בחוג לתקשורת צילומית במכללת הדסה…

ואם הסרטון הקודם לא שבר אותכם, הנה עוד אחד.

עוד עדכון 4.12.15: ראיון מענין עם Ed Lachman, שצילם לאחרונה את הסרט Carol על סרט Super 16 mm. בראיון מסביר ה-DP הוותיק מדוע הוא מעדיף לצלם על סרט צילום ולא בצילום דיגיטלי, למרות שרק כ- 12% מן הסרטים המופקים כיום בהוליווד מצולמים על סרט צילום.

עדכון 12.2.23: מעבר לשאר המגרעות שלו, הצילום האנאלוגי גם מזיק לסביבה

עדכון 5.7.25: נימוקים בעד ונגד השימוש בסרטי צילום בקולנוע: דויד לינץ׳ וסטיבן ספילברג

הצילום שלמעלה צולם ע״י צלם אלמוני בתערוכת הפוטוקינה בקלן, גרמניה בשנת 1986, על סרט צילום כמובן.